Stummfilmregisseur erinnert sich an W.C. Felder

Stummfilmregisseur erinnert sich an W.C. Felder

Mack Sennett, Schöpfer der Keystone Kops, teilt seine Erinnerungen daran, wie es war, den unvergleichlichen Komiker W.C. Felder.


Silents waren golden auf Long Island

Hollywood-Klassiker – insbesondere die vor dem Aufkommen des Tons – erregen heutzutage dank "The Artist", einem neuen Stummfilm in den Kinos von Long Island, Aufmerksamkeit und sorgen für große Oscar-Begeisterung.

Was viele jedoch vielleicht nicht wissen, ist, dass ein großer Teil dieser frühen Klassiker überhaupt nicht in Hollywood, sondern auf Long Island hergestellt wurde.

Korrekt. Bevor Hollywood die Oberhand gewann, war L.I. produzierte Stummfilme und frühe Tonfilme. Ikonen wie Rudolph Valentino, W.C. Fields und Gloria Swanson drehten alle an Drehorten in Nassau und Suffolk sowie in Studios in Brooklyn und Queens.

Wir sprechen von damals, als die Filmindustrie so neu war wie YouTube oder iPods.

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"Filmemacher gingen nach New Jersey, im Hinterland, überall", sagt Dylan Skolnick, Co-Direktor des Cinema Arts Center in Huntington, das eine monatliche Stummfilmreihe veranstaltet. "Aber Long Island war vielseitig. Es gab Villen, Farmen, Wälder, Strände ... Wie jetzt, aber mit weniger Verkehr."

Hunderte von Filmen wurden hier gedreht, die bis in die 1890er Jahre zurückreichen. Zu den Kurzfilmen der American Mutoscope Co. gehören eine Sequenz von 1897 mit Tauchern am Bath Beach in Brooklyn und eine Berichterstattung über die Hunde und Pferde von Hempsteads Meadowbrook Hunt Club im Jahr 1899.

"Long Island-Standorte waren große Favoriten, und Crews wurden häufig an Orten wie Sag Harbor, Huntington, Manhasset, Farmingdale und Great Neck gesehen", bemerkt der Filmhistoriker der Rutgers University, Richard Koszarski, in seinem umfassenden Buch "Hollywood on the Hudson".

Das Vitagraph-Studio eröffnete 1905 in Flatbush eine Niederlassung und eröffnete etwa 10 Jahre später eine Satellitenanlage in Bay Shore, gefolgt vom Famous Players-Lasky Studio, das 1920 in Astoria gebaut wurde. (Ein paar Jahre später wurde es ein Zuhause für Paramount Pictures produzierte in den 20er und 30er Jahren mehr als 120 Filme.)

Die Stars lebten in der Nähe, in Bayside (Gloria Swanson, W.C. Fields), Great Neck (Groucho Marx) und Manhasset (Vernon und Irene Castle).

The Castles spielten und tanzten in "The Whirl of Life", einer Komödie aus dem Jahr 1915, die teilweise in Long Beach gedreht wurde. D. W. Griffith wagte sich 1911 für "The Stuff Heroes Are Made Of" nach Lynbrook. Und "In Pursuit of Polly", ein 1918 in Oyster Bay gedrehter Spionagefilm, spielte eine Pre-Glinda the Good Witch Billie Burke.

„Ich habe mich schon immer für Film interessiert, aber nie über die lokale Perspektive nachgedacht“, sagt Joshua Ruff, Kurator der Kutschen- und Geschichtssammlung im Long Island Museum in Stony Brook. Ruff organisierte 2005 eine Ausstellung, die mehr als ein Jahrhundert der lokalen Filmproduktion abdeckte – aber die ersten Tage waren die überraschendsten, sagt er.

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Die "holländische Windmühle" aus dem Drama "Hulda from Holland" von 1916 von Mary Pickford stammt aus Bridgehampton. Die argentinische Pampa in Valentinos "A Sainted Devil" von 1924 ist ein Stück Farmingdale. Und die "Neuengland"-Einstellung für D.W. Griffiths 1925 erschienene Komödie "Sally of the Sawdust" mit W.C. Felder? Bayside und Great Neck, bemerkt Ruff. "In einer Szene blicken Sie ganz klar auf den Northern Boulevard."

Ein Jahr später drehte Fields "So's Your Old Man", rammte einen Ford Model A in einen Baum (in Huntington) und führte seine berühmte Golfroutine auf (im ursprünglichen Deepdale Country Club in Lake Success, bevor er nach Manhasset aufbrach, um Platz zu machen). für die LÜGE).

Der vielleicht mysteriöseste Film von L.I. ist "The Great Gatsby" von 1926, die erste von drei Filmversionen, aber die einzige, die tatsächlich an der North Shore gedreht wurde. Leider ist nur der Trailer übrig geblieben, der wilde Partygänger zeigt, die in einen Pool springen, und der Erzähler Nick Carraway, der George den Mechaniker (einen jungen William Powell) tot inmitten einer hügeligen Weite von Kiefern findet.

Die Marx Brothers "The Cocoanuts" (1929) und "Animal Crackers" (1930) waren zwei der erfolgreichsten Filme, die im Studio Astoria gedreht wurden, aber da war es zu spät.

Filmmanager hatten das Offensichtliche bereits erkannt – Hollywoods Wetter rockt. Sie konnten das ganze Jahr über schießen. Und Ende der 1920er Jahre hatten sie die Industrie im Westen konsolidiert.

Die Studios haben ein paar letzte Filme rausgebracht. "The Emperor Jones", das im Süden und in der Karibik spielt, musste 1933 hier gedreht werden, weil Paul Robesons Vertrag festlegte, dass er nicht unterhalb der Mason-Dixon-Linie arbeiten würde. Wenn er auf dieser karibischen Insel angespült wird? Es ist Jones Beach.

Noch 1939 wurde auf einer Kartoffelfarm östlich von Jericho der jiddischsprachige Tonfilm "Tevye" erschossen. Heute ist dieser Split-Rail-Zaun und die unbefestigte Straße, die in die Ferne führt, ungefähr die Ausfahrt 43 auf der LIE.

"Es gibt eine ganze Menge Fehlinformationen da draußen", gibt Ruff zu. "Tatsache ist, dass wir wahrscheinlich nie das volle Ausmaß der Präsenz der Filmindustrie auf der Insel erfahren werden."

Dennoch fragt man sich, ob der Stummfilm nach dem Erfolg von "The Artist" ein Comeback feiern könnte? "Ich denke, die Leute sind bereit", sagt ihr Direktor Michel Hazanavicius. „Sie sehen Filme auf Computern, auf Telefonen, in Kinos, in Flugzeugen – warum also nicht das hier? er stolpert und sucht nach den Wörtern auf Englisch. "Was alt ist ... es wird neu."


Fields' Karriere im Showbusiness begann im Varieté, wo er als stiller Jongleur internationale Erfolge feierte. Er begann, Komödie in seine Handlung zu integrieren und war mehrere Jahre lang ein Featured Comedian in den Ziegfeld Follies. Er wurde ein Star in der Broadway-Musical-Komödie Mohn (1923), in dem er einen bunten Kleinschwindler spielte. Seine nachfolgenden Bühnen- und Filmrollen waren oft ähnliche Schurken oder Pantoffelfiguren.

Zu seinen Markenzeichen gehörten sein krächzend gedehnter und hochtrabendes Vokabular. Seine Film- und Radiopersönlichkeit wurde im Allgemeinen mit Fields selbst identifiziert. Es wurde von den Werbeabteilungen der Fields-Studios (Paramount und Universal) gepflegt und durch die Biographie von Robert Lewis Taylor weiter begründet. W. C. Fields, seine Torheiten und Schicksale (1949). Ab 1973 mit der Veröffentlichung von Fields Briefen, Fotos und persönlichen Notizen im Buch von Enkel Ronald Fields W. C. Fields allein, wurde gezeigt, dass Fields zuerst verheiratet war (und sich später von seiner Frau entfremdete), ihren Sohn finanziell unterstützte und seine Enkel liebte.

Fields wurde als William Claude Dukenfield in Darby, Pennsylvania, als ältestes Kind einer Arbeiterfamilie geboren. Sein Vater, James Lydon Dukenfield (1841-1913), stammte aus einer englischen Familie, die 1854 aus Sheffield, Yorkshire, England auswanderte. [3] [4] James Dukenfield diente in der Kompanie M des 72 Bürgerkrieg und wurde 1863 verwundet. Fields 'Mutter, Kate Spangler Felton (1854-1925), war Protestantin britischer Abstammung. [6] [7] Die 1876 Stadtverzeichnis von Philadelphia führt James Dukenfield als Sachbearbeiter auf. Nach seiner Heirat arbeitete er als selbstständiger Lebensmittelhändler und nebenberuflicher Hotelier. [7] [8]

Claude Dukenfield (wie er genannt wurde) hatte eine wechselhafte Beziehung zu seinem aufbrausenden Vater. Ab seinem neunten Lebensjahr lief er immer wieder von zu Hause weg, oft um bei seiner Großmutter oder einem Onkel zu bleiben. [9] Seine Ausbildung war sporadisch und ging nicht über die Grundschule hinaus. [10] Im Alter von zwölf Jahren arbeitete er mit seinem Vater zusammen, um Produkte aus einem Wagen zu verkaufen, bis die beiden einen Streit hatten, der dazu führte, dass Fields erneut weglief. [11] 1893 arbeitete er kurz im Kaufhaus Strawbridge and Clothier [12] und in einem Austernhaus. [13]

Fields verschönerte später Geschichten seiner Kindheit und stellte sich selbst als Ausreißer dar, der von klein auf auf den Straßen von Philadelphia lebte, aber sein Privatleben soll einigermaßen glücklich gewesen sein. [14] Er hatte bereits eine Möglichkeit zum Jonglieren in sich entdeckt, und eine Aufführung, die er in einem örtlichen Theater erlebte, inspirierte ihn dazu, viel Zeit der Perfektionierung seines Jonglierens zu widmen. [13] Im Alter von 17 Jahren lebte er mit seiner Familie und trat bei Kirchen- und Theateraufführungen auf. [fünfzehn]

1904 besuchte ihn Fields' Vater für zwei Monate in England, während er dort in Musikhallen auftrat. [16] Fields ermöglichte es seinem Vater, sich zur Ruhe zu setzen, kaufte ihm ein Sommerhaus und ermutigte seine Eltern und Geschwister, Lesen und Schreiben zu lernen, damit sie mit ihm per Brief kommunizieren konnten. [17]

Inspiriert durch den Erfolg des "Original Tramp Jongleur", James Edward Harrigan, [18] übernahm Fields ein ähnliches Kostüm aus schäbigem Bart und schäbigem Smoking und trat 1898 als vornehmer "Tramp-Jongleur" unter dem Namen W. C. Fields ins Varieté ein. [19] Seine Familie unterstützte seine Ambitionen für die Bühne und begleitete ihn im Zug zu seiner ersten Etappentour. Um ein Stottern zu verbergen, sprach Fields nicht auf der Bühne. [20] Im Jahr 1900, um sich von den vielen "Tramp" -Acts im Varieté zu unterscheiden, änderte er sein Kostüm und Make-up und begann als "The Excentric Jonggler" auf Tournee. [21] Er manipulierte Zigarrenkisten, Hüte und andere Gegenstände in seiner Handlung, von denen Teile in einigen seiner Filme reproduziert werden, insbesondere in der Komödie von 1934 Der altmodische Weg.

In den frühen 1900er Jahren wurde er auf Tourneen regelmäßig als der größte Jongleur der Welt bezeichnet. [22] Er wurde Headliner in Nordamerika und Europa und tourte 1903 durch Australien und Südafrika Routinen. Laut W. Buchanan-Taylor, einem Performer, der Fields' Auftritt in einer englischen Musikhalle sah, würde Fields "einen bestimmten Ball rügen, der nicht genau in seine Hand gekommen war" und "seltsame und unverständliche Kraftausdrücke in seine Zigarre murmeln, wenn er vermisste seinen Mund". [24]

1905 gab Fields sein Broadway-Debüt in einer Musical-Komödie. Der Schinkenbaum. Seine Rolle in der Show verlangte von ihm, Dialogzeilen zu liefern, die er noch nie zuvor auf der Bühne gemacht hatte. [25] Später sagte er: "Ich wollte ein echter Komiker werden, und da war ich nur ein Comedy-Jongleur und wurde in eine Schublade gesteckt." [26] 1913 trat er auf einer Rechnung mit Sarah Bernhardt auf (die Fields als "eine Künstlerin ansah, die nicht umhin konnte, das beste Publikum zu erfreuen") zuerst im New York Palace und dann in England in einem königlichen Auftritt für George V und Queen Mary. [27] Bis 1915 tourte er weiter im Varieté. [28]

Ab 1915 trat er am Broadway in Florenz Ziegfelds Ziegfeld Follies Revue, [29] begeistert das Publikum mit einem wilden Billard-Sketch, komplett mit bizarr geformten Queues und einem speziell angefertigten Tisch, der für eine Reihe von urkomischen Gags und überraschenden Trickshots verwendet wird. Sein Billardspiel wird teilweise in einigen seiner Filme reproduziert, insbesondere in Sechs einer Art im Jahr 1934. Die Tat war ein Erfolg, und Fields spielte in der Torheiten von 1916 bis 1922 nicht als Jongleur, sondern als Komiker in Ensembleskizzen. Neben vielen Ausgaben der Torheiten, Fields spielte 1923 in der Broadway-Musical-Komödie Mohn, wobei er seine Rolle als bunter Kleinschwindler perfektionierte. 1928 erschien er in Die Earl Carroll Eitelkeiten.

Sein Bühnenkostüm ab 1915 bestand aus Zylinder, ausgeschnittenem Mantel und Kragen sowie einem Gehstock. Das Kostüm hatte eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit dem der Comicfigur Ally Sloper, die laut Roger Sabin möglicherweise die Inspiration für Fields' Kostüm war. Die Sloper-Figur könnte wiederum von Dickens' Mr. Micawber inspiriert worden sein, den Fields später im Film spielte. [30]

Stille Ära und erste Tonfilme Bearbeiten

1915 spielte Fields in zwei kurzen Komödien mit, Poolhaie und Das Dilemma Seiner Lordschaft, gedreht im amerikanischen Studio der französischen Gaumont Company in Flushing, New York. [31] Seine Bühnenverpflichtungen hinderten ihn bis 1924 daran, mehr Film zu machen, als er eine Nebenrolle in spielte Janice Meredith, eine Romanze über den Unabhängigkeitskrieg mit Marion Davies. [32] Er wiederholte seine Mohn Rolle in einer Stummfilmadaption, neu betitelt Sally vom Sägemehl (1925) und unter der Regie von D. W. Griffith für Paramount Pictures. Auf der Grundlage seiner Arbeit in diesem Film und Griffiths anschließender Produktion Dieses Royle-Mädchen, Paramount bot Fields einen Vertrag an, um in seiner eigenen Reihe von abendfüllenden Komödien mitzuspielen. Seine nächste Hauptrolle war in Es ist das Spiel der alten Armee (1926), in dem seine Freundin Louise Brooks zu sehen war, später eine Leinwandlegende für ihre Rolle in G. W. Pabsts Büchse der Pandora (1929) in Deutschland. [33] Fields' Film von 1926, der eine Stummversion der Veranda-Sequenz enthielt, die später im Tonfilm erweitert wurde Es ist ein Geschenk (1934), hatte an den Kinokassen nur mäßige Erfolge. [34] Die folgenden drei Filme, die Fields jedoch in Astoria drehte, nämlichSo ist dein alter Mann (1926, neu gemacht als Du sagst mir! 1934), Die Töpfer (1927), und Wild laufen (1927) waren Erfolge in zunehmendem Maße und gewannen Fields eine wachsende Anhängerschaft als stiller Komiker. Wild laufen war die erfolgreichste von ihnen, mit Endkosten von 179.000 US-Dollar und inländischen Mieten von 328.000 US-Dollar und weiteren 92.000 US-Dollar aus dem Ausland. [35] Die Rivalität zwischen den Paramount-Studiomanagern B. P. Schulberg an der Westküste und William Le Baron an der Ostküste führte zur Schließung des New Yorker Studios und zur Zentralisierung der Paramount-Produktion in Hollywood. Wild laufen war der letzte Stummfilm von Paramount, der in Astoria gedreht wurde. Als die Dreharbeiten am 28. April abgeschlossen waren, wurde die verbliebene Handvoll auf dem Gelände verbliebene Mitarbeiter mit einer zweiwöchigen Abfindung entlassen und das Studio wurde stillgelegt. [36] Fields ging sofort nach Hollywood, wo Schulberg ihn mit Chester Conklin für zwei Spielfilme zusammenarbeitete und ihn und Conklin für ein von Al Christie produziertes Remake von . auslieh Tillies punktierte Romanze für die Paramount-Freigabe. All dies waren kommerzielle Misserfolge und sind jetzt verloren. [37]

Fields trug in all seinen Stummfilmen einen schäbigen Clip-On-Schnurrbart. Laut dem Filmhistoriker William K. Everson bestand er pervers darauf, den auffällig gefälschten Schnurrbart zu tragen, weil er wusste, dass er beim Publikum nicht gemocht wurde. [38] Fields trug es in seinem ersten Tonfilm, Der Golfspezialist (1930) – ein Zwei-Roller, der getreu eine Skizze reproduziert, die er 1918 in der Torheiten [39] – aber nach seinem ersten Tonfilm aufgegeben, einen Schnurrbart zu tragen, Ihre Majestät, Liebste (1931), seine einzige Warner Bros.-Produktion und das einzige Mal, dass er einen realistischeren Schnurrbart für eine Rolle trug. [40]

Bei Paramount Bearbeiten

In der Tonära trat Fields in dreizehn Spielfilmen für Paramount Pictures auf, beginnend mit Millionen Dollar Beine 1932. In diesem Jahr war er auch in einer Sequenz im Anthologiefilm zu sehen Wenn ich eine Million hätte. In den Jahren 1932 und 1933 drehte Fields vier kurze Sujets für den Comedy-Pionier Mack Sennett, die über Paramount Pictures vertrieben wurden. Diese Kurzfilme, die mit wenigen Änderungen von Fields' Bühnenroutinen adaptiert und vollständig von ihm selbst geschrieben wurden, wurden von Simon Louvish als "die Essenz" von Fields beschrieben. [41] Der erste von ihnen, Der Zahnarzt, ist insofern ungewöhnlich, als Fields einen völlig unsympathischen Charakter darstellt: Er betrügt beim Golf, greift seinen Caddie an und behandelt seine Patienten mit ungezügelter Gefühllosigkeit. William K. Everson sagt, dass die Grausamkeit dieser Komödie sie "kaum weniger lustig" machte, aber dass "Fields das gewusst haben müssen". Der Zahnarzt stellte einen ernsthaften Fehler für ein Comedy-Image dar, das Bestand haben sollte", und zeigte in seinen nachfolgenden Sennett-Kurzfilmen eine etwas wärmere Persönlichkeit. [42] Trotzdem war der populäre Erfolg seiner nächsten Veröffentlichung, Internationales Haus 1933 etablierte ihn als großer Star. [43] Ein wackeliger Outtake aus der Produktion, angeblich die einzige Filmaufzeichnung des diesjährigen Erdbebens in Long Beach, wurde später als Werbegag für den Film gefälscht. [44]

Fields' Klassiker von 1934 Es ist ein Geschenk enthält eine weitere seiner früheren Bühnenskizzen, eine, in der er versucht, seiner nörgelnden Familie zu entkommen, indem er auf der hinteren Veranda schläft, wo er von lauten Nachbarn und Verkäufern verteufelt wird. Dieser Film, wie Du sagst mir! und Mann auf dem fliegenden TrapezEr endete glücklich mit einem unerwarteten Gewinn, der sein Ansehen in seinen Bildschirmfamilien wieder herstellte. Mit diesen Erfolgen auf der Leinwand konnte Fields 1935 Karriereziele erreichen, indem er den Charakter Mr. Micawber in MGMs spielte David Copperfield. [45]

Die Anstrengung all dieser Aktivitäten forderte einen schrecklichen Tribut von Fields Gesundheit. Ende Juni 1935 erkrankte er an Grippe und Rückenproblemen, die rund um die Uhr gepflegt werden mussten, und war dann emotional erschüttert vom plötzlichen Tod von zwei seiner engsten Freunde, Will Rogers am 15. August und Sam Hardy am 16. Oktober. Die Kombination dieser Ereignisse provozierte einen vollständigen Zusammenbruch für Fields, der ihn neun Monate lang einsperrte. [46] Im nächsten Jahr wurde er vorsichtig angesprochen, um seine charakteristische Bühnenrolle in neu zu erschaffen Mohn für Paramount Pictures akzeptierte er, war aber während der gesamten Produktion sehr schwach und ein Double wurde oft in Totalen verwendet. [47] Nachdem die Dreharbeiten abgeschlossen waren, verschlechterte sich seine prekäre Gesundheit, als er erfuhr, dass eine andere enge Freundin und Filmpartnerin, Tammany Young, am 26. April im Alter von 49 Jahren im Schlaf gestorben war. Der Verlust von drei Freunden in weniger als einem Jahr brachte Fields in die Tiefe Depressionen, außerdem hörte er auf zu essen, seine Rückenschmerzen flackerten auf und seine chronischen Lungenverstopfungsprobleme kehrten mit aller Macht zurück und verwandelten sich schließlich in eine Lungenentzündung. Bis zum Sommer 1937 verbrachte er verschiedene Behandlungen in Krankenhäusern und Sanatorien.

Im September 1937 kehrte Fields nach Hollywood zurück, um in Paramounts komplizierter Musical-Varieté-Anthologie mitzuspielen Die große Sendung von 1938 mit Martha Raye, Dorothy Lamour und Bob Hope. In einer ungewöhnlichen Wendung spielt Fields die Rollen zweier fast identischer Brüder (T. Frothingill Bellows und S. B.Bellow) und arbeitete mit mehreren namhaften internationalen Musikern dieser Zeit zusammen, darunter: Kirsten Flagstad (norwegische Opernsopranistin), Wilfred Pelletier (kanadischer Dirigent des New Yorker Metropolitan Opera Orchestra), Tito Guizar (mexikanische Sängerin), Shep Fields (Leitung seines Rippling Rhythm Jazz Orchestra) und John Serry Sr. (italienisch-amerikanischer Orchesterakkordeonist) [48] Der Film wurde von der Kritik gelobt und erhielt 1939 einen Oscar für die beste Musik in einem Originallied – Danke für die Erinnerung [49] Fields verabscheute jedoch die Arbeit an dem Film und verabscheute insbesondere den Regisseur Mitchell Leisen, der Fields genauso sah und ihn für unlustig und schwierig hielt. („Er war der eigensinnigste, sturste Hurensohn, mit dem ich je zu arbeiten versucht habe“, war Leisens Meinung.) Die Auseinandersetzungen zwischen Fields und Leisen waren während des fünfmonatigen Drehs so konstant und intensiv, dass die Produktion im November endete Am 15. Januar 1937 ging Leisen nach Hause und erlitt einen Herzinfarkt. [50]

Felder versus "Knabber" Bearbeiten

Fields in den frühen Jahren seiner Filmkarriere wurde in hohem Maße von seinen intellektuellen Eigenschaften geschützt, die seine Handlungen formten und seine Rolle auf der Leinwand bestimmten. In Burlesque, Varieté und in der schnell wachsenden Filmindustrie kopierten oder "borgten" viele seiner Kollegen und Komödienautoren oft Skizzen oder Teile von Routinen, die von anderen entwickelt und präsentiert wurden. [51] [52] Es überrascht nicht, dass Fields' Popularität beim Publikum nach 1915 weiter zunahm, nach seiner anfänglichen Arbeit in Filmen, andere Entertainer begannen, Teile seiner erfolgreichen Acts zu übernehmen und in ihre eigenen Auftritte zu integrieren. [53] Fields begann 1918, den Diebstahl zu bekämpfen, indem er seine Skizzen und anderes Comedy-Material beim Copyright Office der Library of Congress in Washington, DC, registrierte er fühlte sich "gezwungen", in diesem Jahr in der 13. Vielfalt, das damals meistgelesene Handelsblatt. [53] An "Nibbler" gerichtet, genauer gesagt an "indiskrete Burlesque- und Bildspieler", nimmt Fields' Mitteilung fast eine halbe Seite in ein Vielfalt. [53] Darin warnt er seine Mitkünstler, dass alle seine „Handlungen (und Geschäfte darin) durch das Urheberrecht der Vereinigten Staaten und des Internationalen geschützt sind“ und betont, dass er und seine Anwälte in New York und Chicago „alle Straftäter energisch verfolgen werden“. die Zukunft". [53] Das abschließende "W. C. Fields" wurde in so großer Schrift gedruckt, dass es die zweiseitige Doppelseite der Zeitung dominierte.

Fields setzte sein Comedy-Material in den letzten Jahrzehnten seiner Karriere persönlich und mit Rechtsbeistand fort, insbesondere im Hinblick auf die Wiederverwendung dieses Materials in seinen Filmen. Zum Beispiel hat er seine ursprüngliche Bühnenskizze "Eine Episode beim Zahnarzt" dreimal urheberrechtlich geschützt: im Januar 1919 und noch einmal 1928, im Juli und August. [56] Später, 13 Jahre nach seiner ersten Urheberrechtsregistrierung, diente dieselbe Skizze Fields weiterhin als Rahmen für die Entwicklung seines bereits erwähnten Kurzfilms Der Zahnarzt. [56] Er urheberrechtlich geschützt auch seine Skizze "Stolen Bonds" von 1928, die 1933 in Szenen für seine "Schwarze Komödie" mit zwei Rollen übersetzt wurde. Das tödliche Glas Bier. [56] Andere Beispiele für Fields' Stage-to-Film-Nutzung seines urheberrechtlich geschützten Materials sind die zuvor diskutierten 1918 Torheiten skizzieren Sie "An Episode on the Links" und seine Wiederverwendung in seinen beiden Kurzfilmen von 1930 Der Golfspezialist und in seinem Feature Du sagst mir! 1934. "The Sleeping Porch" -Skizze, die als verlängertes Segment in . wieder auftaucht Es ist ein Geschenk wurde 1928 ebenfalls von Fields urheberrechtlich geschützt. [56] Einige weitere seiner urheberrechtlich geschützten Kreationen sind "An Episode of Lawn Tennis" (1918), "The Mountain Sweep Steaks" (1919), "The Pullman Sleeper" (1921), "Ten Thousand People Killed" (1925) und "The Midget Car" (1930). [57] Die Gesamtzahl der von Fields im Laufe der Jahre erstellten Skizzen, sowohl urheberrechtlich als auch nicht urheberrechtlich geschützt, bleibt unbestimmt. Die Zahl kann jedoch 100 überschreiten. [58] Von diesem Werk hat Fields zwischen 1918 und 1930 20 Urheberrechte für 16 seiner wichtigsten Skizzen beantragt und erhalten ", worauf der legendäre Komiker seine Bühnenkarriere aufbaute und diesen Erfolg dann durch seine Filme verlängerte. [57]

Fields heiratete am 8. April 1900 die Chorsängerin Harriet "Hattie" Hughes (1879-1963) aus dem Vaudeville ein Trick. [60] Hattie wurde Fields während ihrer Reisen im Lesen und Schreiben unterrichtet und unterrichtet. [61] Unter ihrem Einfluss wurde er ein begeisterter Leser und reiste mit einem Koffer voller Bücher, darunter Grammatiktexte, Übersetzungen von Homer und Ovid und Werke von Autoren von Shakespeare über Dickens bis Twain und P. G. Wodehouse. [62]

Das Paar hatte einen Sohn, William Claude Fields, Jr. (1904–1971) [63] und obwohl Fields ein Atheist war – der laut James Curtis „alle Religionen mit dem Verdacht eines erfahrenen Betrügers betrachtete“ – gab er nach Hatties Wunsch, ihren Sohn taufen zu lassen. [64]

1907 hatten er und Hattie sich getrennt, sie hatte ihn gedrängt, mit dem Tourneen aufzuhören und sich in einem respektablen Beruf niederzulassen, aber er war nicht bereit, das Showgeschäft aufzugeben. [65] Sie ließen sich nie scheiden. Bis zu seinem Tod korrespondierte Fields weiterhin mit Hattie (hauptsächlich durch Briefe) und schickte ihr freiwillig ein wöchentliches Stipendium. [66] Ihre Korrespondenz war manchmal angespannt. Fields beschuldigte Hattie, ihren Sohn gegen ihn aufzuhetzen und mehr Geld von ihm zu verlangen, als er sich leisten konnte. [67]

Bei einem Auftritt in New York City im New Amsterdam Theatre im Jahr 1916 lernte Fields Bessie Poole kennen, eine etablierte Ziegfeld Follies-Darstellerin, deren Schönheit und schneller Witz ihn anzogen, und sie begannen eine Beziehung. Mit ihr hatte er einen weiteren Sohn namens William Rexford Fields Morris (1917–2014). [68] [69] [70] Weder Fields noch Poole wollten die Tournee aufgeben, um das Kind aufzuziehen, das bei einem kinderlosen Ehepaar aus Bessies Bekanntenfamilien untergebracht wurde. [71] Fields' Beziehung zu Poole dauerte bis 1926. Im Jahr 1927 zahlte er ihr eine ausgehandelte Zahlung von 20.000 US-Dollar, nachdem sie eine eidesstattliche Erklärung unterzeichnet hatte, in der erklärt wurde, dass "W. C. Fields NICHT der Vater meines Kindes ist". [72] Poole starb im Oktober 1928 an den Folgen von Alkoholismus, [73] und Fields trug zur Unterstützung ihres Sohnes bei, bis er 19 Jahre alt war. [74]

Fields lernte Carlotta Monti (1907–1993) 1933 kennen, und die beiden begannen eine sporadische Beziehung, die bis zu seinem Tod 1946 andauerte. [75] Monti hatte kleine Rollen in zwei von Fields Filmen und schrieb 1971 seine Memoiren: TOILETTE. Felder und ich, der 1976 in den Universal Studios verfilmt wurde. Fields wurde bei der Volkszählung von 1940 als Single aufgeführt und lebte 2015 am DeMille Drive. (Cecil B. DeMille wohnte um 2000, die einzige andere Adresse auf der Straße.)

Alkohol, Hunde und Kinder Bearbeiten

Der Bildschirmcharakter von Fields drückte oft eine Vorliebe für Alkohol aus, ein prominenter Bestandteil der Fields-Legende. Fields hat in seiner frühen Karriere als Jongleur nie getrunken, weil er bei seinen Auftritten nüchtern sein wollte. Schließlich veranlasste ihn die Einsamkeit des ständigen Reisens, Alkohol in seiner Umkleidekabine aufzubewahren, um andere Darsteller zu veranlassen, mit ihm unterwegs zu sein. Erst nachdem er a . wurde Torheiten Star und aufgegebenes Jonglieren begann Fields regelmäßig zu trinken. [76] Seine Rolle in Paramount Pictures' Internationales Haus (1933), als Flieger mit einem unstillbaren Biergeschmack, trug viel dazu bei, Fields' populären Ruf als erstaunlicher Trinker zu begründen. [77] Studiopublizisten förderten dieses Image, ebenso wie Fields selbst in Presseinterviews. [78]

Fields drückte Gloria Jean (die seine Nichte spielte) seine Vorliebe für Alkohol aus Gib einem Sauger niemals eine gleichmäßige Pause: "Ich war mal in eine schöne Blondine verliebt, Liebes. Sie hat mich zum Trinken getrieben. Das ist das Einzige, wofür ich ihr zu Dank verpflichtet bin." Ebenso denkwürdig war eine Zeile im Film von 1940 Mein kleiner Chickadee: "Auf einer Wanderung durch Afghanistan haben wir einmal unseren Korkenzieher verloren . und mussten mehrere Tage von Nahrung und Wasser leben." Die oft wiederholte Anekdote, dass Fields sich weigerte, Wasser zu trinken, "weil Fische darin ficken" ist unbegründet. [79]

An Filmsets drehte Fields die meisten seiner Szenen in verschiedenen Rauschzuständen. Während der Dreharbeiten zu Geschichten von Manhattan (1942) hatte er immer eine Isolierflasche bei sich und griff häufig auf deren Inhalt zurück. Phil Silvers, der in der Szene mit Fields eine Nebenrolle spielte, beschrieb in seinen Memoiren, was als nächstes geschah:

Eines Tages erschienen die Produzenten am Set, um Fields zu bitten: "Bitte trinken Sie nicht, während wir drehen - wir liegen weit hinter dem Zeitplan". Fields zog nur eine Augenbraue hoch. "Meine Herren, das ist nur Limonade. Für ein wenig Säure, die mich befällt." Er stützte sich auf mich. "Wären Sie so freundlich, das zu probieren, Sir?" Ich nahm einen vorsichtigen Schluck – reinen Gin. Ich war immer ein Freund des trinkenden Mannes und respektiere ihn für seinen Mut, sich aus der Welt des denkenden Mannes zurückzuziehen. Ich antwortete den Produzenten ein wenig verächtlich: "Es ist Limonade." Meine Belohnung? Die Szene wurde aus dem Bild herausgeschnitten. [80]

In einem Testimonial-Dinner für Fields im Jahr 1939 bemerkte der Humorist Leo Rosten über den Komiker, dass "jeder Mann, der Hunde und Babys hasst, nicht ganz schlecht sein kann". [81] Die Linie – die Bartletts bekannte Zitate später fälschlicherweise Fields selbst zugeschrieben – wurde häufig zitiert und verstärkte die populäre Auffassung, dass Fields Kinder und Hunde hasste. In Wirklichkeit war Fields Hunden gegenüber etwas gleichgültig, besaß aber gelegentlich einen. [82] Er liebte es, die Kinder von Freunden zu unterhalten, die ihn besuchten, und liebte sein erstes Enkelkind, Bill Fields III, geboren 1943 durch seine Leistung in Der altmodische Weg, zeigte Interesse am Jonglieren. [84]

Im Jahr 1936 führte Fields' starker Alkoholkonsum zu einem erheblichen Rückgang seiner Gesundheit. Im folgenden Jahr erholte er sich ausreichend, um einen letzten Film für Paramount zu drehen. Die große Sendung von 1938, aber sein lästiges Verhalten hielt andere Produzenten davon ab, ihn einzustellen. 1938 war er chronisch krank und litt an einem Delirium tremens. [85]

Fields war physisch nicht in der Lage, in Filmen zu arbeiten, und war mehr als ein Jahr lang nicht auf der Leinwand. Während seiner Abwesenheit nahm er eine kurze Rede für eine Radiosendung auf. Sein vertrautes, abfälliges Gespür wurde bei den Zuhörern so gut aufgenommen, dass er schnell zu einem beliebten Gast in Radiosendungen wurde. [86] Obwohl seine Radioarbeit nicht so anspruchsvoll war wie die Filmproduktion, bestand Fields auf seinem etablierten Filmstar-Gehalt von 5.000 US-Dollar pro Woche. Er schloss sich dem Bauchredner Edgar Bergen und Bergens Attrappe Charlie McCarthy an Die Verfolgungsjagd und die Sanborn-Stunde für wöchentliche Beleidigungskomödien-Routinen.

Fields würde Charlie darüber veräppeln, dass er aus Holz ist:

Felder: "Sagen Sie mir, Charles, ist es wahr, dass Ihr Vater ein Tischbein war?"

McCarthy: "Wenn ja, war dein Vater darunter!"

Als Fields McCarthy als "Pin-up-Boy des Spechts" oder "Termites Absteige" bezeichnete, feuerte Charlie Fields wegen seines Trinkens an:

McCarthy: "Stimmt es, Mr. Fields, dass, als Sie an der Ecke von Hollywood und Vine standen, 43 Autos darauf warteten, dass Ihre Nase grün wurde?"

Bergen: "Aber Bill, ich dachte, du magst keine Kinder."

Felder: „Ach, überhaupt nicht, Edgar, ich liebe Kinder. Ich kann mich erinnern, wie ich mit meinen eigenen kleinen Wackelbeinen von Zimmer zu Zimmer tappte.“

McCarthy: "Wann war das letzte Nacht?"

Während seiner Genesung von einer Krankheit versöhnte sich Fields mit seiner entfremdeten Frau und baute nach Claudes Heirat 1938 eine enge Beziehung zu seinem Sohn auf. [87]

Fields' erneute Popularität durch seine Radiosendungen mit Bergen und McCarthy brachte ihm 1939 einen Vertrag mit Universal Pictures ein. Sein erster Spielfilm für Universal, Einen ehrlichen Mann kann man nicht betrügen, auf der Felder-McCarthy-Rivalität getragen. 1940 machte er Mein kleiner Chickadee, Co-Star mit Mae West, und dann Der Bank Dick in dem er mit Shemp Howard, der einen Barkeeper spielt, folgenden Austausch hat:

Felder: "War ich letzte Nacht hier und habe ich einen 20-Dollar-Schein ausgegeben?"

Schafe: "Ja."

Felder: "Oh Junge, was für eine Last, die ich nicht im Kopf habe. Ich dachte, ich würde hat verloren es!"

Fields kämpfte mit Studioproduzenten, Regisseuren und Autoren um den Inhalt seiner Filme. Er war entschlossen, einen Film auf seine Art zu machen, mit seinem eigenen Drehbuch und seiner eigenen Inszenierung und seiner Wahl der Nebendarsteller. Universal gab ihm schließlich die Chance, und der daraus resultierende Film, Gib einem Sauger niemals eine gleichmäßige Pause (1941), war ein Werk von absurdem Humor, in dem Fields als "The Great Man" auftrat. [ Zitat benötigt ] Universals damals populärer Gesangsstar Gloria Jean spielte neben Fields und seine Kumpane Leon Errol und Franklin Pangborn als seine komischen Folien. Normalerweise war der fertige Film so surreal, dass Universal Teile davon nachschnitt und neu drehte und schließlich sowohl den Film als auch Fields veröffentlichte. Saugnapf war Fields letzter Hauptdarstellerfilm.

Fields verbrüderte sich in seinem Haus mit Schauspielern, Regisseuren und Schriftstellern, die seine Vorliebe für gute Gesellschaft und guten Schnaps teilten. John Barrymore, Gene Fowler und Gregory La Cava gehörten zu seinen engen Freunden. Am 15. März 1941, während Fields nicht in der Stadt war, ertrank Christopher Quinn, der zweijährige Sohn seines Nachbarn, des Schauspielers Anthony Quinn und seiner Frau Katherine DeMille, in einem Seerosenteich auf Fields' Grundstück. Voller Trauer über die Tragödie ließ er den Teich zufüllen. [88]

Fields hatte eine umfangreiche Bibliothek in seinem Haus. Obwohl überzeugter Atheist – oder gerade deswegen – studierte er Theologie und sammelte Bücher zu diesem Thema. [89] Gemäß einer populären Geschichte (möglicherweise apokryph, laut Biograf James Curtis), sagte Fields jemandem, der ihn beim Lesen einer Bibel erwischte, dass er "nach Schlupflöchern suchte". [89]

In einer Folge von 1994 Biografie Fernsehserie, Fields' Co-Star von 1941, Gloria Jean, erinnerte sich an ihre Gespräche mit Fields in seinem Haus. Sie beschrieb ihn als freundlich und sanft im persönlichen Umgang und glaubte, dass er sich nach der familiären Umgebung sehnte, die er als Kind nie erlebt hatte. [90]

Während der Präsidentschaftskampagne 1940 verfasste Fields ein Buch, Felder für Präsident, mit humorvollen Essays in Form einer Wahlkampfrede. Dodd, Mead and Company veröffentlichte es 1940 mit Illustrationen von Otto Soglow. [91] 1971, als Fields als Anti-Establishment-Figur galt, gab Dodd, Mead einen Nachdruck heraus, der mit Fotografien des Autors illustriert war.

Fields Filmkarriere verlangsamte sich in den 1940er Jahren erheblich. Seine Krankheiten beschränkten ihn auf kurze Gastfilmauftritte. Eine erweiterte Sequenz in 20th Century Fox's Geschichten von Manhattan (1942) wurde aus der ursprünglichen Veröffentlichung des Films herausgeschnitten und später für einige Heimvideo-Veröffentlichungen wieder eingesetzt. [92] Die Szene zeigte ein Mäßigkeitstreffen mit Gesellschaftsleuten im Haus einer wohlhabenden Gesellschaftsmatrone Margaret Dumont, in der Fields entdeckt, dass der Punsch gespickt wurde, was zu betrunkenen Gästen und einem sehr glücklichen Fields führte.

Er führte seine Billardtisch-Routine zum letzten Mal für Folge den Jungs, eine All-Star-Entertainment-Revue für die Streitkräfte. (Trotz des karitativen Charakters des Films erhielt Fields 15.000 US-Dollar für diesen Auftritt, den er nie persönlich für die Streitkräfte aufführen konnte.) Lied der offenen Straße (1944) jonglierte Fields einige Augenblicke und bemerkte dann: "Das war mal mein Schläger." [93] Sein letzter Film, die Musical-Revue Gefühle von 1945, wurde Ende 1944 entlassen. Bis dahin hatten sich sein Sehvermögen und sein Gedächtnis so verschlechtert, dass er seine Zeilen von großformatigen Tafeln lesen musste. [94]

Im Jahr 1944 machte Fields weiterhin Radiogastauftritte, bei denen das Auswendiglernen von Drehbüchern unnötig war. Ein bemerkenswerter Gastauftritt war am 9. Februar 1944 mit Frank Sinatra in Sinatras CBS-Radioprogramm.

Fields letzter Radioauftritt war am 24. März 1946 in der Edgar Bergen and Charlie McCarthy Show auf NBC. Kurz vor seinem Tod in diesem Jahr nahm Fields ein Spoken-Word-Album auf, darunter seine "Temperance Lecture" und "The Day I Drank a Glass of Water", in Les Pauls Studio, wo Paul einen neuen Mehrspur-Recorder installiert hatte. Die Sitzung wurde von einem seiner Radioautoren, Bill Morrow, arrangiert und war Fields' letzter Auftritt.

Als er sich eine von Pauls experimentellen Mehrspuraufnahmen anhörte, bemerkte Fields: "Die Musik, die Sie machen, klingt wie ein Tintenfisch. Wie ein Typ mit einer Million Händen. Ich habe so etwas noch nie gehört." Paul war amüsiert und nannte seine neue Maschine OCT, kurz für Octopus. [95]

Fields verbrachte die letzten 22 Monate seines Lebens im Las Encinas Sanatorium in Pasadena, Kalifornien. 1946, am Weihnachtstag – dem Feiertag, den er verachtete – hatte er eine massive Magenblutung und starb im Alter von 66 Jahren. [96] Carlotta Monti schrieb, dass sie in seinen letzten Momenten mit einem Gartenschlauch Wasser auf das Dach sprühte sein Schlafzimmer, um sein Lieblingsgeräusch, fallenden Regen, zu simulieren. [97] Laut einem Dokumentarfilm aus dem Jahr 2004 zwinkerte und lächelte er einer Krankenschwester zu, legte einen Finger auf seine Lippen und starb. [98] Diese ergreifende Darstellung ist laut Biograf James Curtis unbestätigt und "unwahrscheinlich". [99] Fields' Beerdigung fand am 2. Januar 1947 in Glendale, Kalifornien, statt. [100]

Seine testamentarische Einäscherung wurde bis zur Klärung eines Einspruchs von Hattie und Claude Fields aus religiösen Gründen verschoben. [99] Sie bestritten auch eine Klausel, die einen Teil seines Nachlasses verließ, um ein "W. C. Fields College für verwaiste weiße Jungen und Mädchen zu gründen, in dem keine Religion irgendeiner Art gepredigt werden darf". [101] [102] Nach einem langen Prozess wurden seine sterblichen Überreste am 2. Juni 1949 eingeäschert [103] und seine Asche auf dem Forest Lawn Memorial Park Cemetery in Glendale beigesetzt.

Grabstein Bearbeiten

Ein beliebtes Stück Fields-Folklore behauptet, dass sein Grabstein die Inschrift "I'd better be in Philadelphia" ist - oder eine nahe Variante davon. Die Legende stammt von einem Schein-Epitaph, das Fields für ein 1925 geschriebenes Eitelkeitsmesse Artikel: "Hier liegt / W.C. Fields / Ich würde lieber in Philadelphia leben". [104] In Wirklichkeit trägt sein Begräbnismarker nur seinen Künstlernamen und die Jahre seiner Geburt und seines Todes. [10]

Er spielt einen "stolpernden Helden". [105] 1937, in einem Artikel in Film Magazin analysierte Fields die Charaktere, die er spielte:

Sie haben die alte Legende gehört, dass es der kleine aufgesetzte Typ ist, der die Lacher bekommt, aber ich bin der streitlustigste Typ auf der Leinwand. Ich werde alle töten. Aber gleichzeitig habe ich vor jedem Angst – nur ein großer, verängstigter Tyrann. . Ich war der erste Comic der Weltgeschichte, also haben sie mir gesagt, ich solle Streit mit Kindern anfangen. Ich habe Baby LeRoy gebootet. dann habe ich auf einem anderen Bild einen kleinen Hund getreten. . Aber ich habe beide Male Mitleid bekommen. Die Leute wussten nicht, was das unhandliche Baby tun könnte, um sich zu rächen, und sie dachten, der Hund könnte mich beißen. [106]

In Funktionen wie Es ist ein Geschenk und Mann auf dem fliegenden Trapez, er soll mehr oder weniger alle seine eigenen Dialoge und Materialien geschrieben oder improvisiert haben und die Struktur der Geschichte anderen Autoren überlassen. [107] Er hat seine Bühnenskizzen häufig in seine Filme integriert – z. B. die Szene „Back Porch“, die er für die Torheiten von 1925 wurde gedreht in Es ist das Spiel der alten Armee (1926) und Es ist ein Geschenk (1934) [108] die Golfskizze, die er in dem verlorenen Film vorführte Das Dilemma Seiner Lordschaft (1915) wurde in der wiederverwendet Torheiten von 1918 und in den Filmen So ist dein alter Mann (1926), Der Golfspezialist (1930), Der Zahnarzt (1932), und Du sagst mir (1934). [109]

Zu Fields' bekanntesten Merkmalen gehörte eine ausgeprägte gedehnte Stimme, die nicht seine normale Sprechstimme war. [110] Seine Art, abfällige Beilagen zu murmeln, wurde von seiner Mutter kopiert, die in Fields' Kindheit oft hinterhältige Kommentare über vorbeigehende Nachbarn murmelte. [111] Er erfreute sich daran, die Zensoren mit Doppeldeutigkeiten und den beinahe Profanitäten "Godfrey Daniels" und "Perlmutt" zu provozieren. Ein beliebtes "Geschäft", das in vielen seiner Filme wiederholt wurde, bestand darin, dass sein Hut in die Irre ging - entweder am Ende seines Stocks hängen blieb oder einfach in die falsche Richtung blickte -, als er versuchte, ihn auf seinen Kopf zu setzen. [112]

In mehreren seiner Filme spielte er Hustler, Karnevalsschreier und Card Sharps, spinnen Garne und lenkten seine Zeichen ab. In anderen gab er sich selbst als Opfer: ein unbeholfener Jedermann und Vater, dessen Familie ihn nicht schätzt. [113]

Fields reproduzierte in seinen Filmen oft Elemente seines eigenen Familienlebens. Als er ins Kino kam, war seine Beziehung zu seiner entfremdeten Frau erbittert, und er glaubte, sie habe ihren Sohn Claude – den er selten sah – gegen ihn aufgebracht. [114] James Curtis sagt von Mann auf dem fliegenden Trapez dass die "missbilligende Schwiegermutter, Mrs. Neselrode, eindeutig nach seiner Frau Hattie gemustert war und der von [Grady] Sutton gespielte Sohn der arbeitslosen Mutter absichtlich Claude genannt wurde. Fields hatte seine Familie fast nicht gesehen." zwanzig Jahre, und doch blieben die schmerzhaften Erinnerungen zurück." [115]

Ungewöhnliche Namen Bearbeiten

Obwohl er keine formale Bildung hatte, war Fields belesen und ein lebenslanger Bewunderer des Autors Charles Dickens, dessen ungewöhnliche Namen Fields dazu inspirierten, seltsame Namen zu sammeln, die er auf seinen Reisen traf, um sie für seine Charaktere zu verwenden. [116] Einige Beispiele sind:

  • "Der große McGonigle" (Der altmodische Weg)
  • "Ambrose Wolfinger" [zeigt auf "Wolf-Pfeifen"] (Mann auf dem fliegenden Trapez)
  • "Larson E. [lesen Sie "Larceny"] Whipsnade", der Nachname von einer Hundespur, die Fields außerhalb Londons gesehen hatte [117] (Einen ehrlichen Mann kann man nicht betrügen),
  • "Egbert Sousé" [ausgesprochen 'soo-ZAY', zeigt aber auf "souse", ein Synonym für einen Betrunkenen] (Der Bank Dick, 1940).

Fields trug oft unter ungewöhnlichen Pseudonymen zu den Drehbüchern seiner Filme bei. Dazu gehören das scheinbar prosaische "Charles Bogle", das in den 1930er Jahren in vier seiner Filme "Otis Criblecoblis" erwähnt wurde, das ein eingebettetes Homophon für "Scribble" enthält, und "Mahatma Kane Jeeves", ein Spiel über Mahatma und eine Phrase, die ein Aristokrat könnte Verwenden Sie beim Verlassen des Hauses: "Mein Hut, mein Rohrstock, Jeeves". [118]

Unterstützung von Spielern Bearbeiten

Fields hatte einen kleinen Kader von Nebenspielern, die er in mehreren Filmen einsetzte:

    , dessen Onscreen-Interaktion mit Fields (von William K. Everson) mit dem von Groucho Marx und Margaret Dumont verglichen wurde[119]
  • Jan Duggan, eine alte Jungfernfigur (eigentlich ungefähr im Alter von Fields). [120] Von ihrem Charakter sagte Fields in Der altmodische Weg, "Sie ist ganz angezogen wie ein gepflegtes Grab." , als nörgelnde Ehefrau oder Antagonist, als Vorschulkind, das gerne Fields' Charakteren Streiche spielt, ein wählerischer, allgegenwärtiger Charakterdarsteller, der in mehreren Fields-Filmen spielte, am bemerkenswertesten als J. Pinkerton Snoopington in Der Bank Dick , als seine Frau (obwohl er 16 Jahre älter ist), normalerweise in einer unterstützenden Rolle und nicht in der stereotypischen Nörgelei , typischerweise ein ländlicher Trottel, als Gegenspieler oder Antagonist von Fields' Charakter
  • Bill Wolfe, als hager aussehender Charakter, normalerweise eine Fields-Folie, als dämlicher, ungewollt schädlicher Assistent, der bis zu seinem plötzlichen Tod an Herzversagen 1936 in sieben Fields-Filmen auftrat

W. C. Fields war (mit Ed Wynn) eine der beiden ursprünglichen Optionen für die Titelrolle in der Fassung von 1939 Der Zauberer von Oz. Fields war von der Rolle begeistert, zog seinen Namen jedoch letztendlich aus der Diskussion, damit er sich dem Schreiben widmen konnte Einen ehrlichen Mann kann man nicht betrügen. [121]

Felder in einem Orson Welles-Projekt. Welles 'Chefs bei RKO Radio Pictures, nachdem sie Geld verloren haben Citizen Kane, drängte Welles, als seinen nächsten Film ein Thema mit mehr kommerzieller Anziehungskraft zu wählen. Welles betrachtete eine Adaption von Charles Dickens' Die Pickwick-Papiere in dem Fields die Hauptrolle gespielt hätte, aber das Projekt wurde zum Teil wegen Vertragsschwierigkeiten auf Eis gelegt [122] und Welles passte sich an Die prächtigen Ambersons.

Während der frühen Planungen für seinen Film Es ist ein wunderschönes Leben, zog Regisseur Frank Capra Fields für die Rolle des Onkel Billy in Betracht, die schließlich an Thomas Mitchell ging. [123]

Eine Bestseller-Biografie von Fields, die drei Jahre nach seinem Tod veröffentlicht wurde. TOILETTE. Felder, seine Torheiten und sein Vermögen von Robert Lewis Taylor, war maßgeblich an der Popularisierung der Idee beteiligt, dass Fields' realer Charakter zu seiner Leinwandfigur passte. [124] 1973 veröffentlichte der Enkel des Komikers, Ronald J. Fields, das erste Buch, das diese Idee deutlich in Frage stellte. W. C. Fields selbst, seine beabsichtigte Autobiographie, eine Zusammenstellung von Material aus privaten Sammelalben und Briefen, die nach ihrem Tod 1963 im Haus von Hattie Fields gefunden wurden. [125]

Laut Woody Allen (in a New York Times Interview vom 30. Januar 2000) ist Fields neben Charlie Chaplin, Buster Keaton, Groucho und Harpo Marx sowie Peter Sellers eines von sechs "echten Comic-Genies", die er in der Filmgeschichte als solche erkannt hat. [126]

Die Surrealisten liebten Fields' Absurdität und anarchistische Streiche. Max Ernst malte a Projekt für ein Denkmal für W.C. Felder (1957), und René Magritte machte a Hommage an Mack Sennett (1934).

Fields ist eine der Figuren, die in der Massenszene auf dem Cover des Albums der Beatles von 1967 auftauchen Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Die Firesign-Theater betitelt den zweiten Track ihres 1968er Albums Warten auf den Elektriker oder jemanden wie ihn "W.C. Fields Forever", als Wortspiel, das sich auf den Beatles-Song "Strawberry Fields Forever" bezieht.

Der United States Postal Service gab im Januar 1980 eine Sonderbriefmarke zum 100. Geburtstag des Komikers heraus. [127]

An der Wand von Sams Schlafzimmer hängt ein Poster von Fields in der TV-Show Freaks and Geeks.

Karikaturen und Imitationen Bearbeiten

  • Der Charakter Horatio K. Boomer im Fibber McGee und Molly Radiosendung hatte eine Persona und eine Darbietung, die den von Fields porträtierten Charakteren sehr ähnlich waren.
  • Eine Karikatur von Feldern erscheint in der Lucky Luke Comic-Album Westernzirkus und nochmal im animierten Feature Lucky Luke: Die Ballade der Daltons. [128]
  • Der Karikaturist Al Hirschfeld hat Fields viele Male in Karikaturen porträtiert, einschließlich der Buchcover-Illustrationen für Drat!, Ein Fläschchen Felder, und Gottfried Daniels! – alle herausgegeben von Richard J. Anobile. [Zitat benötigt]
  • Die TV-Show Hotel Gigglesnort zeigte eine Puppenfigur namens "W. C. Cornfield", die Fields in Aussehen und Stimme ähnelte. [129]
  • Der Impressionist Rich Little imitierte oft Fields in seinen TV-Serien Die Kopycats, und er verwendete eine Fields-Charakterisierung für den Ebenezer Scrooge-Charakter in seinem HBO-Special Rich Littles Weihnachtslied (1978), eine Ein-Mann-Präsentation von Ein Weihnachtslied.
  • Eine kanadische Zeichentrickserie aus den 1960er Jahren für Kinder Geschichten vom Zauberer von Oz zeigte einen Zauberer mit einer Stimmenimitation von Fields, eine Anspielung auf die reale Wahl von Fields, den Zauberer im Filmklassiker von 1939 neben Judy Garland zu spielen.
  • Fields gehört zu den vielen Prominenten, die in dem Kurzfilm „Merrie Melodies“ von 1936 karikiert wurden Der Coo-Coo Nusshain.
  • Fields sitzt im Disney-Cartoon auf der Zuschauerbank Mickys Polo-Team (1936).
  • Er erscheint als W.C. Feldmaus im Kurzfilm Merrie Melodies Der Wald ist voller Kuckucke (1937).
  • Im Cartoon Silly Symphonies von 1938 Mutter Gans geht nach Hollywood Fields wird als Humpty Dumpty karikiert, in Anlehnung an seine Rolle im Live-Action-Film Alice im Wunderland (1933).
  • Eine Folge von Die Feuersteine; 'Familie Feuerstein zeigt einen Landstreicher, der alte Kleidung von Fred von seiner Frau Wilma bekommt, dann, als Fred versucht, einen Mantel zurückzunehmen, wird er mit dem Rohrstock des Landstreichers geschlagen. Der Landstreicher hat Fields Stimme und Persönlichkeit.
  • The Firesign Theatre verwendete Philip Proctors Stimmimitation von Fields für zwei Charaktere auf ihren Alben Warten auf den Elektriker oder jemanden wie ihn und Wie kann man an zwei Orten gleichzeitig sein, wenn man gar nicht nirgendwo ist.
  • Der Zauberer von Id Comicstrip enthält eine zwielichtige Anwaltsfigur, eine Fields-Karikatur namens "Larsen E. Pettifogger".
  • In der zweiten Staffel des TV-Dramas Gangster ein Charakter namens White Devil wird eingeführt, der sich selbst als W.D. Fields bezeichnet und die stimmlichen Manierismen und das Aussehen von Fields beeinflusst, um seine Feinde zu verwirren und zu verwirren. Gespielt von Serienautor Philip Martin, wird er selbst in der letzten Episode als "Larson E. Whipsnade" nach Fields' Charakter in gutgeschrieben Einen ehrlichen Mann kann man nicht betrügen. adaptierte eine Fields-Comic-Routine für das animierte TV-Special Die verrückten, verrückten, verrückten Komiker 1970.
  • Schauspieler Bob Leeman porträtierte Fields im Film von 1991 Der Raketenmann.
  • 1971 ersetzte Frito-Lay die Frito Bandito TV-Werbekampagne mit einer mit W.C. Fritos, ein runder, einen Zylinder tragender Charakter, der der Filmpersönlichkeit von Fields nachempfunden ist. Außerdem produzierten Sunkist Growers um 1970 eine Reihe animierter TV-Werbespots mit dem "Sunkist Monster", dessen Stimme ein Eindruck von Fields war, gespielt von Paul Frees.
  • Der kanadische Schauspieler Andrew Chapman spielte Fields in einer Episode von "Murdoch Mysteries" mit dem Thema "Murdoch Mysteries" in der 8. Staffel mit dem Titel "The Keystone Constables".
  • Der Komiker Mark Proksch verkörpert Fields in einer Reihe von On Cinema-Episoden, angefangen mit dem zweiten jährlichen Oscar-Special der Serie bis hin zu den meisten Staffeln.

Informationen für diese Filmografie stammen aus dem Buch, W. C. Fields: Ein Leben im Film, von Ronald J. Fields. Alle Filme haben Spielfilmlänge, sofern nicht anders angegeben.


(Travalanche)

Dieses Wochenende ist die National Hobo Convention in Britt, Iowa. Ich hatte immer eine Vorliebe sowohl für die Hobo-Ethik selbst (ich arbeite seit einiger Zeit an einem Aufsatz über genau diese Sache) als auch für das Bild der Tramp-Komiker oder Clowns. Das erste Kostüm, an das ich mich erinnern kann, das ich jemals getragen habe, war ein Tramp/Clown-Outfit für eine Halloween-Parade, als ich ungefähr vier Jahre alt war. Es regt die Fantasie an – der wurzellose Wanderer, der auf den Schienen reitet, auf die Straße geht, keine Krawatten, bindlesteif auf seiner Schulter. Samuel Beckett hat einen Kern solcher Charaktere in den Mittelpunkt seines Meisterwerks gestellt Warten auf Godot, die erste Nicht-Kindershow, die ich je in einem Theater gesehen habe. Und es ist das Thema eines meiner absolut seltsamen Lieblings-Filmmusicals Halleluja, ich bin ein Penner.

Das Thema ist romantisch, sentimental. Und in den Händen des richtigen Komikers ist es lustig. Hier ist eine Handvoll einiger Prominenter aus Varieté, Zirkus und Film (es gab Partituren, vielleicht Hunderte von anderen). Klicken Sie einfach auf die untenstehenden Links, um mehr über die Darsteller zu erfahren.

Tramp-Comedians waren in Varietés und Music Halls seit langem beliebt, als Chaplin beschloss, seine Leinwandfigur in diese Richtung zu lenken und so zum beliebtesten Tramp der Welt zu werden. Es gab nicht nur andere Tramp-Comics auf der Welt, sondern auch mehrere, die wie Charlies aussahen. Chaplin soll (von einigen) sein Take von Billie Ritchie genommen haben, während Billy West Chaplin sein Aussehen und seine Tat gestohlen hat.

Angekündigt als “The Happy Tramp”, war Wills möglicherweise von der Jahrhundertwende bis zu seinem frühen Tod im Jahr 1917 Amerikas beliebtester Bühnentramp. Er war ein Star des Varietés, des Broadways und einiger der allerersten Comedy-Alben.

Harrigan wurde im Varieté vom Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts als erster Landstreicherjongleur nachgeahmt.

Einer der vielen, die Harrigan zu Beginn seiner Karriere nacheifern, war der junge W.C. Fields, hier in seiner Tramp-Aufmachung um die Jahrhundertwende

Das traurige Clown-Make-up und das Kostüm des Zirkusartisten Emmett Kelly wurden so sehr nachgeahmt, dass es zu einem Klischee wurde.

Bühne und Leinwand Skelton hatte ein Repertoire von vielen Charakteren, sein Clown “bum” Freddie war vielleicht der beliebteste.

Bloom war der erste Tramp-Comedian, noch vor Wills oder Harrigan. Er war bekannt als “The Society Tramp”.

Der afroamerikanische Komiker George Dewey Washington beeinflusste einen Tramp-Look am Broadway und in Filmen.

Um mehr über Varieté zu erfahren, einschließlich Spezialitäten wie Tramp-Comedians, konsultieren Kein Applaus, nur Geld werfen: Das Buch, das Vaudeville berühmt gemacht hat, erhältlich bei Amazon, Barnes and Noble und überall dort, wo verrückte Bücher verkauft werden.


'Dawson City' Doc erzählt die bizarre Geschichte der verlorenen Filme

Die Geschichte würde weit hergeholt klingen, wenn sie sich ein Hollywood-Drehbuchautor ausgedacht hätte: 1978 entdeckte ein Bautrupp bei Ausgrabungen in der Yukon-Stadt Dawson City 533 Filmrollen aus der Stummfilmzeit. Der Hort von Wochenschauen und dramatischen Filmen hatte sich im Keller der Stadtbibliothek unter der Aufsicht der Canadian Bank of Commerce angesammelt, bis er 1929 von Bankangestellter Clifford Thomson in einem stillgelegten Schwimmbad unter dem Hockeyfeld der Stadt entsorgt wurde. Thomson entsorgte die hochentzündlichen Silbernitrat-Filme aus Sicherheitsgründen, ohne zu wissen, dass eine dicke Schicht Permafrost die vergrabenen Kanister bedecken und als primitive Form der Filmkonservierung dienen würde.

Die bizarre Geschichte von der Entdeckung Hunderter verlorener Filme ist Gegenstand von Dawson City: Die gefrorene Zeit, die am Freitag, den 20. Oktober, im Dartmouth College gezeigt wird Hopkins-Zentrum für die Künste in Hannover, N.H. Der Dokumentarfilm ist der Traum eines jeden Filmhistorikers und dient auch als Chronik eines frühen Kapitels des amerikanischen Traums, in dem Tausende von Goldsuchern nach Norden in die kanadische Boomtown zogen, die als Zentrum des Klondike-Goldrauschs diente.

Nachdem die Filmsammlung von Dawson City entdeckt wurde, transportierte die Royal Canadian Air Force sie in die Library and Archives Canada in Ottawa. Obwohl die sorgfältig restaurierten Filme seit Jahrzehnten in dieser Stadt und in der Library of Congress öffentlich zugänglich sind, Dawson City Regisseur Bill Morrison vermutete, dass sich nur wenige der Bedeutung des Fundes bewusst waren.

"Als ich immer mehr in die Sammlung einstieg, wurde mir klar, dass ich irgendwie eine Zusammenfassung der westlichen Zivilisation des 20. Jahrhunderts hatte", sagt Morrison in einem Telefoninterview. "Von der Vertreibung der indigenen Bevölkerung und der Entdeckung von Gold bis hin zur Korporatisierung von Gold und wie die Stadt wirklich auf und ab ging."

Wie Morrisons dokumentarische Details zeigen, zog der abgelegene Yukon-Außenposten eine Fülle von Persönlichkeiten an, die später berühmt werden sollten. "Tex" Rickard, der erfolgreichste Box-Promoter des frühen 20. Jahrhunderts, hatte seinen Anfang im Kampfspiel in Dawson City. William Desmond Taylor, der produktive Stummfilmregisseur, dessen ungeklärter Mord 1922 einen Skandal in Hollywood erregte, war ein Zeitnehmer für die Yukon Gold Company. Frederick Trump, der Großvater des 45. US-Präsidenten, eröffnete in Whitehorse, auf dem Weg nach Dawson, ein Restaurant und ein Hotel. Von Historikern angenommen, dass es auch ein Bordell gibt, diente das Etablissement als frühe Quelle des Vermögens der Trump-Familie.

Morrison ist mit Found-Footage-Dokumenten kein Unbekannter. Sein experimenteller Film von 2002 Decasia kombinierte Stummfilmausschnitte in verschiedenen Verfallsstadien zu einer abstrakten Meditation über den langsamen Tod des Zelluloids. Obwohl sein neuestes Werk auch Found Footage neu bearbeitet, ist es ein eher traditioneller Dokumentarfilm, der Clips aus der Filmsammlung von Dawson City mit Interviews und Archivfotos vermischt.

Das vielleicht bemerkenswerteste Nugget aus dem wiedergewonnenen Kinoschatz ist Wochenschau-Filmmaterial aus der World Series von 1919, das Spieler der Chicago White Sox mit Spielern verschworen haben, um sie zu werfen. Wie Morrison bemerkt, ist es an sich schon bemerkenswert, dass Filmmaterial aus dem berüchtigten "Black Sox"-Skandal Teil der überlebenden Filmrollen war. Noch unwahrscheinlicher ist, dass einer der dargestellten Momente – ein verpatztes Doppelspiel im vierten Inning von Spiel 1 – später als Beweismittel in dem Prozess verwendet wurde, der dazu führte, dass acht Spieler lebenslang vom professionellen Baseball ausgeschlossen wurden.

"All die Zufälle, die passieren müssen, damit das festgehalten wird und wir es heute sehen können, es ist wirklich atemberaubend", sagt Morrison.

Morrison wird nach der Vorführung am Freitag in Dartmouth bei einer Frage-und-Antwort-Runde auftreten. Am Donnerstag spricht er in zwei Klassen von Mark Williams, ein außerordentlicher Filmprofessor, der auch als Direktor des Projekt Medienökologie, eine Initiative, die Online-Zugang zu Bewegtbild-Forschungsmaterialien bietet.

Williams sieht in Morrisons Besuch eine ideale Gelegenheit, eine vernachlässigte Epoche der Filmgeschichte zu beleuchten. "Die meisten Leute kennen diese Ära sicherlich nicht, und sie haben diese Art von Found-Footage-Zusammenstellungen nicht unbedingt als Möglichkeiten für die Kunst betrachtet", sagt er. "Und Bill ist einfach der Meister darin."

Dartmouth hat eine lange Geschichte der Filmpräsentation und -konservierung. Die Dartmouth Film Society begann 1949 mit einer kostenlosen Vorführung des W.C. von 1932. Fields-Komödie Millionen Dollar Beine. Ein bemerkenswerter Alaun ist Robert Gitt, der als Student die Filmsammlung der Universität kuratierte und später leitender Beamter für Filmkonservierung am UCLA Film & Television Archive wurde. Bill Pence, langjähriger Filmregisseur am Hopkins Center, war 1974 Mitbegründer des Telluride Film Festivals.

Sydney Stowe, die nach Pences Pensionierung im vergangenen Jahr die Funktion des Filmregisseurs übernahm, stellt fest, dass der Hop erst 2013 vollständig auf digitale Projektion umgestellt hat.

„Bis vor vier Jahren trug ich 60 Pfund Film, öffnete die Dosen, zog die Filme heraus und fädelte die Projektoren ein“, erinnert sich Stowe, „also habe ich diese Verbindung zur Geburt [des Films], aber ich bin mir nicht sicher das moderne Publikum tut."

Sie fügt hinzu, dass die Knappheit neuerer Filme, die auf echtem Filmmaterial gedreht wurden, die historische Bedeutung von Morrisons Dokumentarfilm unterstreicht.

"Ich denke was Dawson City tut", sagt Stowe, "ist es, dass es uns daran erinnert, dass Film ein wirklich dynamisches und oft explosives Medium war, das Lichtjahre von dem entfernt ist, was wir jetzt durch unsere Computer, unseren Fernseher und unsere [digitalen] Vorführungen erleben."

Dawson City: Die gefrorene Zeit, Freitag, 20. Oktober, 19 Uhr, im Loew Auditorium, Hopkins Center for the Arts, Dartmouth College, in Hannover, N.H. $5-15. hop.dartmouth.edu

Die Originaldruckversion dieses Artikels trug die Überschrift "Found-Footage Doc deckt eine Goldmine mit verlorenen Silver-Screen-Edelsteinen auf"


(Travalanche)

Der 9. Dezember ist der Jahrestag des Erscheinungsdatums des Klassikers W.C. Felder kurz Der Zahnarzt (1932). Zusammen mit Das tödliche Glas Bier und Der Golfspezialist dieser Film gehört zu den klassischen Komödien, die ich am häufigsten gesehen habe. Ein Kompilationsvideo war eines der ersten Videobänder, die ich je bekommen habe (damals, als Home-Video noch neu war) und ich habe diese Filme sicherlich Dutzende und Dutzende Male gesehen. (Diese Filme wurden in den 1960er Jahren gemeinfrei und gehören somit zu den zugänglichsten aller Filme und das seit einem halben Jahrhundert. Wenn Sie sie noch nicht gesehen haben, hoffen wir, dass Sie dies hier und jetzt korrigieren können)

Der Zahnarzt wurde von einer Skizze adaptiert, die Fields in gemacht hatte Earl Carroll’s Eitelkeiten von 1928, mit einigen Elementen seiner berühmten Golfroutine aus dem Ziegfeld Follies, und einige andere neue erzählerische Elemente. Es wurde während des Zeitfensters gedreht, als Fields' Status als Filmstar am Tiefstand war. Er war in den stillen 1920ern ein Star der Paramount-Filme gewesen, aber diese Karriere war im Sande verlaufen. Mitte der 30er Jahre war er wieder ein Star der Paramount-Comedy-Features – nachdem er sich in diesen Kurzfilmen und mehreren Rollen in Ensemble-Komödien bewährt hatte. So konnte Mack Sennett ihn kurzzeitig für seine Comedy-Shorts schnappen. Sennett war zu diesem späten Zeitpunkt auf dem Weg nach draußen – seine Filme mit Fields gelten als seine letzten Atemzüge der Größe. Aber was für ein Hinweis zum Ausgehen!

Die Handlung ist einfach. Fields spielt einen Kieferbrecher in einer Kleinstadt, der zwischen den Golflöchern mehrere exzentrisch aussehende Patienten schlachtet und versucht, seine eigensinnige Tochter (Babe Kane) daran zu hindern, mit dem Eismann durchzubrennen (Arnold Grau). Die letztere Entwicklung bietet den einzigen Anschein der Handlung, die Mehrheit ist nur eine urkomische, manchmal freche Backout-Skizze, voller lauter Witze und physischer Geschäfte. “Sie haben Glück, dass Sie nicht von einem Neufundländer gebissen wurden,”, witzelt Fields, als seine süße, kokette Patientin (Dorothy Granger) sich nach vorne beugt, um ihm die Stelle an ihrem Knöchel zu zeigen, an der sie von einem Dackel gebissen wurde. Er muss auch mit einer “pferdegesichtigen”, langbeinigen Frau ringen, die Olive Oyl (Elise Cavanna) ähnelt, um einen hartnäckigen Zahn zu ziehen. Und dann ist da noch der kleine Russe (Billy Bletcher), dessen Bart so dick ist, dass Fields seinen Mund nicht finden kann. Als er die Schnurrhaare stört, die versuchen, an die Zähne zu kommen, fliegen zwei Vögel heraus. (Übrigens, dieser Gag ist die Quelle einer der bekanntesten Geschichten aus dem Showbusiness. Als Fields ihn auf der Bühne präsentierte Eitelkeiten er wurde tatsächlich verhaftet und wegen Tiermissbrauchs angeklagt, als einer der Vögel starb.) Andere bemerkenswerte Mitglieder der Besetzung sind Bud Jamison als Kumpel des Zahnarztes Harry Frobisher und Bobby Dunn als Caddy des Zahnarztes.


Für den Showman Behind Film Forum, es geht los mit der Show

Im vergangenen Monat flackerten die Projektoren des Filmforums zum ersten Mal seit über einem Jahr wieder auf, um Fellinis karnevaleske Tragödie zu zeigen La Strada.

„Ich wollte mit einem wirklich berühmten Arthouse-Klassiker eröffnen“, sagte Bruce Goldstein, der 68-jährige Repertoireprogrammierer, der seit 1986 robuste Retrospektiven und klassische Film-Revivals für das Film Forum kreiert.

Als sich die COVID-19-Pandemie im letzten Jahr in New York City ausbreitete und das Filmforum ankündigte, dass es am 14. März geschlossen werden würde, hatte das gemeinnützige Theater nur die Hälfte von Goldsteins letztem großen Showcase gezeigt. Unter dem Titel „Die Frauen hinter Hitchcock“ hob die Serie von über 30 Filmen die unterschätzten filmischen Beiträge von zwei weiblichen Hitchcock-Mitarbeitern hervor, seiner Produzentin Joan Harrison und seiner Frau und Drehbuchautorin Alma Reville. Der letzte Film von Goldsteins Serie, der abrupt abgesetzt wurde, war Hitchocks Thriller von 1963. Die Vögel. Im Festzelt blieb der Film in dem Jahr, in dem das Filmforum ein Festival zum 50-jährigen Jubiläum veranstalten sollte.

„Ich fand es lustig, weil es ein apokalyptischer Film war“, sagte Goldstein.

Während der Pause des Film Forums war Goldstein damit beschäftigt, zukünftige Serien vorzubereiten, an Dokumentarfilmprojekten zu arbeiten und sich um den von ihm 1997 gegründeten Filmverleih Rialto Pictures zu kümmern, der sich auf die Wiederveröffentlichung klassischer Werke in Kinos spezialisiert hat.

„Bruce ist ein altmodischer Showman und ein absoluter New Yorker“, sagte Andrienne Halpern, ein ehemaliger Unterhaltungsanwalt und Co-Präsident von Rialto Pictures. Halpern trat dem Unternehmen ein Jahr nach seiner Gründung bei und sichert sich weiterhin die Rechte an Rialtos umfangreichem Katalog von über hundert Filmen, darunter viele Klassiker des europäischen Kunstkinos.

Da die Kinos während der Pandemie geschlossen waren, buchte das Unternehmen stattdessen Drive-in-Vorführungen von Filmen, die weniger anspruchsvoll waren als der übliche Tarif, wie z Evil Dead 2, Terminator 2, und Flucht aus New York. Rialtos neueste Veröffentlichung, das heiße französische Drama La PiscineSie startete am 14. Mai im Filmforum.

Die Saat der Cinephilie wurde in Goldstein während seiner Kindheit gesät, als er alte Filme mit den Marx Brothers, W.C. Fields, Mae West und Humphrey Bogart – um nur einige zu nennen – auf den Kanälen 5 und 11. Geboren in Amityville, New York, und aufgewachsen in Hicksville, reiste Goldstein als Kind und Teenager nach New York City und verliebte sich dort mit seinen Repertoire-Kinosälen, insbesondere dem New Yorker und dem Thalia. Goldstein erinnerte sich daran, was ihn an diesen inzwischen stillgelegten Kinos faszinierte, und sagte: „Die Atmosphäre des Theaters selbst zu spüren, kombiniert mit dem 35-mm-Druck, war für mich eine Art Zeitkapsel.“

1970, im Alter von 18 Jahren, eröffnete Goldstein sein eigenes Repertoiretheater in Cape Cod, Massachusetts. Es lief nicht gut, und nach nur einer Saison gab er es an andere weiter. Rückblickend sagte er, dass die Eröffnung eines Veranstaltungsortes für Vintage-Filme wahrscheinlich nicht die beste Idee in einer Stadt war, in der alle versuchten, flachgelegt zu werden. Einige Jahre später zog er nach New York City, um im Bleecker Street Cinema und Carnegie Hall Cinema zu arbeiten und zu programmieren, gefolgt von zwei Jahren Arbeit in der Modebranche in London als Werbemanager, bevor er 1981 wieder in die Stadt zurückkehrte. Er gründete eine erfolgreiche Filmwerbefirma und übernahm bis 1984 die Co-Regie des Thalia.

Die „Vor-Bruce-Geschichte des Filmforums“, wie die Regisseurin Karen Cooper es beschrieb, begann 1970, als das neu eröffnete Theater aus einem Raum voller Klappstühle und einem einzigen Projektor auf der Upper West Side bestand. Cooper übernahm 1972 die Leitung, verlegte 1975 das Film Forum nach Soho und dann 1980 in die Watts Street. Zu diesem Zeitpunkt hatte Cooper einen zweiten Vorführraum und versuchte, eine Verwendung dafür zu finden. Sie vermietete es über mehrere Jahre, bis sie beschloss, dass Film Forum die gesamte Programmierung im eigenen Haus durchführen sollte.

Laut Goldstein empfahl ihm der langjährige Filmkritiker J. Hoberman Cooper, Filme für ihre andere Leinwand auszuwählen. Weder Cooper noch Hoberman konnten sich erinnern, ob er sich für Goldstein eingesetzt hätte, um den Job zu bekommen. Hoberman überprüfte jedoch Filme, die Goldstein im Thalia für die Dorfstimme in den frühen Achtzigern und kannte ihn als unglaublich kenntnisreich und energisch. "Wie auch immer, ich nehme die Anerkennung gerne in Kauf", schrieb Hoberman in einer E-Mail.

Anders als einmal, als Cooper Einwände dagegen hatte, dass Goldstein ein Bild von Bye Bye Birdie Schauspielerin Ann-Margret auf einem Kalender (sie hasst Ann-Margret), kann sie sich an keine größeren Reibungen mit ihrem Repertoireprogrammierer erinnern. In den über 30 Jahren, die Goldstein beim Film Forum verbracht hat, lässt Cooper ihm die Freiheit bei klassischen Vorführungen und bewundert sein tiefes, enzyklopädisches Wissen über die Filmgeschichte. „Es ist töricht, jemanden zu stören, der weiß, was er tut“, sagte Cooper. „Bruce weiß besser, was er tut, weißt du, besser, als ich anfangen kann zu sagen.“

Während der Pandemie hatte Goldstein Zeit, die Stadt zu Fuß zu erkunden und Fotos von allem zu machen, was ihm ins Auge fiel. Früher hat er nie Fotos mit seinem iPhone gemacht, aber jetzt sind es Tausende. Er zeigte mir Kanaldeckel, die er gefunden hat, die über hundert Jahre alt sind, eine leicht zu übersehende Gravur der Zehn Gebote auf Hebräisch auf der Fassade einer ehemaligen Synagoge in der East 10th Street, die heute eine Baptistenkirche ist, und eine Frau, die darin sitzt ein U-Bahn-Wagen mit einer Bomberjacke, auf deren Rückseite „LES STRONG“ steht. Nachdem er einige Schnappschüsse von Gesichtern geteilt hatte, die in die Eingänge von Wohnhäusern geschnitzt waren, sagte Goldstein: "Überall in der Stadt gibt es Überreste von Dingen, die nicht mehr existieren, aber man muss nur hinsehen."

Das Fotografieren von obskuren Sichtungen in der Stadt ist für Goldstein ein angemessener Zeitvertreib. Als NYC-Fan und Bekehrer für seine Nachbarschaft in der Lower East Side dreht er auch kurze Dokumentarfilme darüber, wie es Filmen gelingt (oder scheitert), seine geliebte Stadt darzustellen. Im Jahr 2010, Goldsteins Tagestour durch das Kindheitsviertel von Regisseur Martin Scorseses, Les Rues de Mean Straßen, erschien als Besonderheit in einer französischen DVD. Auf den Spuren von „Speedy“ (2015) unterscheidet die Momente aus Harold Lloyds Stummfilmkomödie von 1928, die in NYC gedreht wurden, von denen, die in Los Angeles gedreht wurden. In Entdecken Sie „Die nackte Stadt“ (2020) informiert Goldstein die Zuschauer über die unglaubliche Anzahl authentischer Drehorte in Jules Dassins bahnbrechendem Polizeifilm von 1948.

Sein jüngster Kurzfilm Pelham Eins Zwei Drei: NYC Underground, das am 6. Mai im Rahmen des TCM Classic Film Festivals auf HBO Max uraufgeführt wurde, stellt den Kriminalfilm von 1974 als authentischen U-Bahn-Thriller vor. Nachdem Goldstein detailliert beschrieben hat, wie die Filmcrew bei Dreharbeiten in unterirdischen Tunneln chirurgische Masken tragen musste, schaut Goldstein in falscher Überraschung in die Kamera und fragt: "Könnten Sie sich vorstellen?"

Goldstein wurde oft als Schausteller bezeichnet, eine Beschreibung, der er hoffentlich gerecht wird. Es ist ein Ruf, der sich über Jahrzehnte erworben hat, um sein Publikum zu begeistern, sei es bei der Präsentation von 3-D-Filmen aus den 50er Jahren mit den Projektionstechniken der damaligen Zeit oder dem Senden von Skeletten, die über Köpfe fliegen, während Buzzer unter den Sitzen für Vorführungen von William Castles Gimmicky klingeln Horrorfilme, oder dafür sorgen, dass ein Pianist anwesend ist, um einen Stummfilm zu begleiten. "Ich bin irgendwie von Showmanship inspiriert", sagte Goldstein. „Ich glaube nicht, dass man einfach Filme zeigen kann. Es ist nicht mehr genug – war es nie.“

Obwohl Goldstein ein Liebhaber der Vergangenheit war, war es nie ein Fremder, das Neue anzunehmen. Seine 2012-Serie „This is DCP“ feierte die lebendige Qualität, die digitale Restaurierungen und Projektionen klassischen Filmen verleihen können, an einem Ort, der seit langem für die Vorführung seltener 35-mm-Drucke auf Zelluloid bekannt ist. Im Jahr 2015 stellte Goldstein Elspeth Carroll vom College ein. Als sie von der Assistentin zur Programmiererin wurde, gab er ihr den Spielraum, um Serien zu kreieren, die außerhalb seiner eigenen Expertise fielen, wie zum Beispiel eine umfassende internationale Filmliste mit dem Titel „THE HOUR OF LIBERATION: Decolonizing Cinema, 1966-1981“.

„Er war schon immer sehr gut darin, gute Ideen zu erkennen und voranzutreiben, auch wenn sie nicht in seinem Steuerhaus waren“, sagte Carroll. „Er versteht das Publikum besser als jeder andere und hat ein großes Gespür dafür, wie sich die Dinge entwickeln und wie man sie fördert.“

Das Film Forum wurde am 2. April wiedereröffnet und hielt sich an die Sitzplatzbeschränkung von 25 % in New Yorker Kinos (es wurde seitdem mit der Einschränkung aufgehoben, dass Kinobesucher einen Abstand von zwei Metern haben müssen). Goldstein stellt sich keine vollständige Rückkehr zur Programmierung der großen, umfassenden Serien vor, die seine Amtszeit als ansässiger Showman des Filmforums in absehbarer Zeit geprägt haben. Er macht jedoch Pläne für Serien, die mehr Filme aufnehmen würden, da die Zahl der Menschen, die das Theater betreten können, weiter wächst.

Eine von Goldstein gestaltete Retrospektive zu 15 klassischen Humphrey-Bogart-Filmen wird vom 16. Juli bis 5. August im Film Forum gezeigt. Das Theater hat auch die nicht vorgeführten Filmkopien der abgesagten Hälfte von „The Women Behind Hitchcock“ und Goldstein beabsichtigt, das zu beenden, was er gestartet.


Carlotta Monti

1933 lernte W. C. Fields eine junge Schauspielerin namens Carlotta Monti kennen. Sie hatten in den verbleibenden Jahren seines Lebens eine aus- und wieder-Beziehung. Sie lebten häufig zusammen, wobei sie die Rolle seiner Geliebten übernahm. Später schrieb sie das Buch, W. C. Fields und ich, die später nach seinem Tod zu einem biografischen Film gemacht wurde.


Stummfilmregisseur erinnert sich an W.C. Felder - GESCHICHTE

Rudolph Valentino (1895-1926):

Die größte männliche Attraktion in exotischen, abenteuerlichen romantischen Bildern war der gutaussehende, heißblütige, in Italien geborene Importeur Rudolph Valentino nach seinem bahnbrechenden Auftritt in der berühmten Tangoszene in Regisseur Rex Ingrams Spektakel Die vier Reiter der Apokalypse (1921). Als "Latin Lover" bezeichnet, symbolisierte das Matinee-Idol die verbotene und mysteriöse Erotik, die amerikanischen Frauen in den 1920er Jahren in Filmen wie Der Scheich (1921), Camille (1921), der Erfolgreiche Blut und Sand (1922), Der Adler (1925), und Die Scheichs beliebte Fortsetzung Der Sohn des Scheichs (1926). Der Sohn des Scheichs war ein gewaltiger Hit, der zur Zeit von Valentinos Beerdigung veröffentlicht wurde.

1926 starb er im frühen Alter von 31 Jahren an einem perforierten Geschwür und einer Bauchfellentzündung. Menschenmengen in New York, hauptsächlich weibliche Trauergäste, grenzten an Massenhysterie, als sie versuchten, seinen Körper zu sehen. [Eines von Valentinos Vermächtnissen war, dass eine Marke beliebter Kondome nach seiner Rolle in einem seiner berühmtesten Filme benannt wurde.] Der gebürtige Regisseur Clarence Brown, der bei Valentino Regie geführt hatte Der Adler (1925) führte auch Regie bei der importierten Schauspielerin Greta Garbo in Fleisch und der Teufel (1927), Frau der Angelegenheiten (1928), und die Wende des Jahrzehnts Anna Christie (1930).

Deutscher Expressionismus und sein Einfluss:

Eine künstlerische Bewegung namens Expressionismus wurde nach dem Ersten Weltkrieg in der produktiven europäischen Filmindustrie etabliert. Es florierte in den 1920er Jahren, insbesondere in Deutschland in einem "goldenen Zeitalter" des Kinos (oft als "Weimarer Kino" bezeichnet), aufgrund weniger Einschränkungen und weniger strenger Produktionspläne .

Der Expressionismus war geprägt von Stilisierung, dunklen Schatten und Dramatik Chiaroscuro Beleuchtung, visuelles Storytelling, groteske Charaktere, verzerrte oder schräge Winkelaufnahmen (von Straßen, Gebäuden usw.) und abstrakte Sets. Zu den führenden Regisseuren, die diese neuen unkonventionellen, atmosphärischen und surrealistischen dramatischen Stile nutzten, gehörten G.W. Pabst (später bekannt für die Regie der amerikanischen Schauspielerin Louise Brooks in Büchse der Pandora (1929)), Paul Leni (der bei dem Film "Old Dark House" Regie führte) Die Katze und der Kanarienvogel (1927) und Universals Der Mann, der lacht (1928) mit Conrad Veidt), F. W. Murnau und Fritz Lang.

In den frühen 1920er Jahren sollten drei alptraumhafte, deutsche expressionistische Filme einen starken und signifikanten Einfluss auf die kommende Entwicklung des US-Films in den 30er-40er Jahren haben - insbesondere den Horrorfilmzyklus der Universal Studios in den 30er Jahren und das Aufkommen von Film Noir in den 1940er Jahren:

  • Robert Wienes surrealistischer Fantasy-/Horrorfilm Das Kabinett von Dr. Caligari (1919-20, Dt.) (auch bekannt) Das Kabinett des Doktor Caligari) mit Conrad Veidt - dem frühesten und einflussreichsten deutschen expressionistischen Kino
  • F. W. Murnaus klassischer Vampirfilm (der erste seiner Art) mit dem Schauspieler Max Schreck - eine Adaption von Bram Stokers Dracula Roman mit dem Titel Nosferatu, Eine Symphonie des Schreckens (1922, Dt.) (auch bekannt) Nosferatu, Symphonie des Grauens)
  • Fritz Langs Dr. Mabuse: Der Spieler (1922, Germ.) (auch bekannt) Doktor Mabuse der Spieler) stellte den bösen Geniecharakter des Regisseurs vor
  • -- Langs Metropole (1927, dt.) gilt allgemein als der letzte der klassischen deutschen expressionistischen Filme

Um das Anschauen fremdsprachiger Filme zu fördern, wurden englische Untertitel auf das deutsche Musical gesetzt Zwei Herzen in Walzerzeit (1930) (auch bekannt) Zwei Herzen im Dreiviertel-Takt) von Hermann Weinberg. Es war der Erste Film mit Untertiteln für die Veröffentlichung in den Vereinigten Staaten.

Einige der besten Künstler, Regisseure und Stars (wie Pola Negri, Bela Lugosi, Peter Lorre und Greta Garbo) aus europäischen Filmkreisen wurden nach Hollywood importiert und dort als Emigranten assimiliert. Eine Reihe von frühen Regisseuren in Hollywood wurden mit Künstlern aus dem Ausland engagiert - darunter erfolgreiche deutsche Regisseure F. W. Murnau (von William Fox für seinen ersten Fox-Film nach Hollywood eingeladen - den von der Kritik gefeierten Sonnenaufgang (1927)), Fritz Lang, Josef von Sternberg und Ernst Lubitsch (er führte Regie bei seinem ersten amerikanischen Film, Rosita (1923) mit Mary Pickford), dem großen schwedischen Regisseur Victor Seastrom (berühmt für Der Wind (1928) - der letzte Stummfilm von Lillian Gish), der in Österreich geborene Regisseur Erich von Stroheim, der Produzent Alexander Korda, der Regisseur Michael Curtiz (von Warners aus Ungarn rekrutiert), der deutsche Kameramann Karl Freund und der in Russland geborene Regisseur Rouben Mamoulian.

Die erste amerikanische Komödie des Regisseurs Ernst Lubitsch Der Ehekreis (1924) über die Untreue in Wien, wurde später als Musical neu aufgelegt Eine Stunde mit dir (1932). Mit seinem klassischen, raffinierten "Touch" stellte sich Lubitsch kühn dem Vor-Hays-Kodex der Zensur mit Das ist Paris (1926).

Später in Deutschland war Fritz Langs letzter großer Stummfilm das futuristische Drama Metropole (1927) - der teure Film bereicherte das Kino in den kommenden Jahren mit seinen innovativen Techniken, futuristischen Kulissen und expressionistischen Produktionsdesigns und dem allegorischen Studium des Klassensystems. Murnaus bemerkenswerter Stummfilm-Weepie-Klassiker Das letzte Lachen (1924) erzählt seine ganze Geschichte über einen stolzen, aber degradierten Hotelportier (Emil Jannings) durch Visualisierung, innovative Kamerabewegungen (mit nur einem Zwischentitel), stilisiert mis-en-scene, eine subjektive Sicht und optische Effekte. Beide Langs Metropole und Murnaus Das letzte Lachen wurden von dem bahnbrechenden deutschen Kameramann Karl Freund gefilmt.

Murnau hat auch Molieres Satire aus dem 17. Tartuffe (1925) als Film im Film und Goethes Tragödie Faust (1926) mit atemberaubendem Hell-Dunkel, Bildern von mittelalterlichen Burgen, riesigen Bergen und Faust (Gosta Ekman), der mit Mephisto (Emil Jannings) fliegt. Faust war der Film, der Murnau einen Vertrag mit Hollywoods Fox Studios verschaffte. Die düsteren Filme von Josef von Sternberg in den späten 1920er Jahren leiteten den Gangsterfilm ein: Unterwelt (1927), Das Schleppnetz (1929), und Die Docks von New York (1929).

Der Stil des in Österreich geborenen Regisseurs Erich von Stroheim war harscher und europäischer als die Werke anderer importierter Regisseure. Er hatte als Regieassistent bei D. W. Griffith angefangen. Seine Spezialität war die melodramatische Darstellung eines dekadenten Europas mit gewagten Sexualszenen. Sein Grübeln und teuer Dumme Ehefrauen (1922) war das am längsten kommerziell hergestellter amerikanischer Film, der ungekürzt mit 6 Stunden und 24 Minuten in Lateinamerika veröffentlicht werden sollte, aber er wurde für die allgemeine Veröffentlichung stark auf eine 10-Rollen-Version geschnitten. Von Stroheims bewundertes neunstündiges stilles Meisterwerk mit 42 Rollen Gier (1924) (eine detaillierte Adaption von Frank Norris' Roman McTeague) wurde nur einmal in seiner ursprünglichen Form für neu gegründete MGM-Führungskräfte, darunter Irving Thalberg, gezeigt und dann stark auf seine aktuelle Länge von 133 Minuten (etwa 10 Rollen) gekürzt. Angeblich wurden die 32 Rollen bearbeiteter Negative von MGM eingeschmolzen, um das wertvolle Silbernitrat aus dem Filmmaterial zu extrahieren. Die gleichen Schwierigkeiten des extravaganten Mehraufwands und der endlosen Länge plagten auch seinen Film Der Hochzeitsmarsch (1928).

Legendäres Russisch Autor Klassiker und visionärer Film des Regisseurs Sergei Eisenstein, Schlachtschiff Potemkin (1925, Sowjetunion) wurde 1926 in den USA veröffentlicht und brachte die Kunst des filmischen Geschichtenerzählens mit der Technik des Montage (oder Filmbearbeitung). Seine berühmteste Filmszene, mit hervorragender Bearbeitung, die breite, wochenschauähnliche Sequenzen mit Nahaufnahmen erschütternder Details kombiniert - um die Spannung zu erhöhen, war die Episode von Odessa Steps. Es basierte auf dem Vorfall von 1905, als Zivilisten und Randalierer rücksichtslos massakriert wurden. In der Szene (mit 155 Einzeleinstellungen in weniger als fünf Minuten) schossen die zaristischen Soldaten auf die Menschenmenge, die sich auf den Stufen von Odessa drängte, mit dem unauslöschlichen, kinetischen Bild eines Kinderwagens, der die Marmortreppe zum Hafen hinunterrast, und der Symbolik eines steinernen Löwen, der erwacht. [Anmerkung: Die Szene wurde in einer Reihe von Filmen parodiert, darunter Terry Gilliams Brasilien (1985) und Brian DePalmas Die Unberührbaren (1987).]

Eine weitere filmtechnische Errungenschaft gelang dem französischen Experimentalfilmer Abel Gance in seinem Film Napoleon (1927, Fr.), ein visuell revolutionäres Bild, das ursprünglich sechs Stunden lang war und teilweise mit Panorama, "Triptychon" . gefilmt wurde Polyvision (drei Bildschirme nebeneinander, um einen Breitbildeffekt zu erzeugen, später von zukünftigen Generationen als Cinerama bekannt) auf seinem Höhepunkt. Das bedeutete, dass der Film mit drei synchronisierten Kameras gedreht und dann auf riesige, 3-teilige Leinwände projiziert werden musste. [Innerhalb weniger Jahre, Fox's Größe Breitbildsystem war ein früher Versuch bei 70 mm. Filmstärke.]

Und am Ende des Jahrzehnts der einflussreiche und kreative Film Der Mann mit der Filmkamera (1929, Sowjetunion) vom experimentellen Kameramann/Regisseur Dziga Vertov, verwendete einige der ersten Anwendungen des geteilten Bildschirms, des Montageschnitts und der schnell gefilmten Szenen in seiner Ansicht von Moskau.

Comedy Flourished: Arbuckle, Chaplin, Lloyd, Keaton und mehr

Es war eine großartige Ära für unbeschwerte Stummfilmkomödien mit dem Triumvirat der Humoristen: Charlie Chaplin, Buster Keaton und Harold Lloyd und der frühen Popularität von Roscoe "Fatty" Arbuckle, bis ein Skandal 1921 seine Karriere zerstörte.

"Fatty" Arbuckle war einer der ersten Stummfilmkomiker (sowie Regisseur und Drehbuchautor). Er begann 1909 bei der Selig Polyscope Company (sein erster Film war Bens Kind (1909)) und ging dann 1913 zu Universal Pictures und erschien auch in mehreren von Mack Sennetts Keystone-Komödien Filme, bekannt für schnelle Verfolgungsjagden und 'Kuchen-im-Gesicht'-Segmente. Arbuckle war der erste der Stummfilmkomiker, der bei seinen eigenen Filmen Regie führte, beginnend mit Barnyard Flirts (1914). Seine Zusammenarbeit mit Mabel Normand bei Keystone in einer Reihe von "Fatty and Mabel"-Filmen war für das Studio lukrativ.

1917 gründete Arbuckle mit dem Produzenten Joseph Schenck seine eigene Produktionsfirma ("Comique Film Corporation"), die mehr kreative Kontrolle ermöglichte, und heuerte Buster Keaton an, um in seinem ersten Film mitzuspielen Der Metzgerjunge (1917). Er benutzte seine "Fettigkeit" als Teil seiner Sehknebel, und sein leicht vulgärer, aber süßer und verspielter Charakter wurde bei jüngeren Zuschauern äußerst beliebt. Bis 1919 hatte er sich bei Paramount Pictures einen 3-Jahres-Vertrag über 3 Millionen US-Dollar gesichert, um in 18 Stummfilmen mitzuspielen Erste mehrjährigen, millionenschweren Deal für ein Hollywood-Studio. Es wurde wenig erwähnt, dass Arbuckle Buster Keaton und Charlie Chaplin beim Einstieg ins Filmgeschäft vor seinem eigenen Untergang in den frühen 1920er Jahren betreut und unterstützt hat.

Während Arbuckles neueste Komödie im ganzen Land lief, Verrückt zu heiraten (1921), feierte er an einem dreitägigen Labor Day-Wochenende im St. Francis Hotel in San Francisco. Während der Party im Hotel mit frei fließendem Alkohol (während der Prohibition!) wurde er der Vergewaltigung und Ermordung des jungen 25-jährigen Starlets und "Partygirls" Virginia Rappe in einem weit verbreiteten Fall beschuldigt - Rappe starb vor wenigen Tagen später in einem Krankenhaus von einer geplatzten Blase. Arbuckle wurde von Hearsts „Trial-by-Zeitung“ (mit steigenden Verkaufszahlen) und öffentlicher Verurteilung gründlich und unfair gezüchtigt. Eine der von der Staatsanwaltschaft befragten Partygänger war eine unzuverlässige Zeugin namens Maude Delmont, die in LA als Erpresserin und als "Madame Black" bekannt ist - mit einer kriminellen Vorgeschichte von Betrug und Erpressung (sie lockte junge Frauen auf Partys, um reiche Männer zu locken). . Sie behauptete, dass Arbuckle Rappe angegriffen habe, obwohl andere Zeugen ihre Behauptungen bestritten. Fattys Karriere war im Wesentlichen vorbei, obwohl er im Frühjahr 1922 nach drei Prozessen schließlich vollständig von der Tat freigesprochen wurde.

Die Popularität von Charlie Chaplin als Tramp stieg in Filmen nach seinen ersten Filmen mit Keystone, Essanay und Mutual. Wie bereits erwähnt, war er Mitbegründer von Vereinigte Künstler Studios im Jahr 1919 mit Mary Pickford, D. W. Griffith und Douglas Fairbanks. Seine Erste Stummfilm war der 6-Rollen-Film von First National Das Kind (1921) (mit Kinderstar Jackie Coogan), in dem er den Landstreicher porträtiert, um ein verlassenes und verwaistes Kind zu retten. (35-jähriger Chaplin heiratete seinen minderjährigen, 16-jährigen Das Kind Co-Star Lita Gray im Jahr 1924).

Chaplin erschien auch in Der Pilger (1923) - in dem er die David- und Goliath-Geschichte nachahmte und im Klassiker Der Goldrausch (1925), eine Geschichte mit Pathos und wilder Komödie über einen Lone Prospector in Alaska. Chaplin wurde mit einem speziellen Oscar "für Vielseitigkeit und Genie in Schreiben, Schauspiel, Regie und Produktion" ausgezeichnet für Der Zirkus (1928). Chaplins Komödien wurden von der Akrobatik und den waghalsigen Possen des Stummkomikers Harold Lloyd übertroffen, der als galanter, 'nie-sag-die' All-American "Boy" (mit Brille) in auftrat Sicherheitsleiste (1923) - berühmt für seinen erschütternden Aufstieg an der Seite eines hohen Gebäudes, Mädchen schüchtern (1924), Der Neuling (1925), und Der kleine Bruder (1927).

Es gab auch die inspirierte komödiantische Arbeit des passiv-nicht-lächelnden, sardonischen Buster Keaton (The Great Stone Face) in Sherlock Jr. (1924) (Keatons Erste Solo-Regiearbeit), Der Seefahrer (1924), das Bürgerkriegsepos Der General (1927) (Keaton in Co-Regie mit Clyde Bruckman) über einen außer Kontrolle geratenen Zug mit spektakulären Sichtgags, Dampfschiff Bill, Jr. (1928) - sein letzter Independent-Film und Der Kameramann (1928), Keatons Erste Film für MGM, der auch den Beginn seines Niedergangs markierte.

Baby-faced Harry Langdons bester Spielfilm in einer kurzen vierjährigen Filmkarriere, Der starke Mann (1926), war das Spielfilmdebüt von Regisseur Frank Capra. Der Film war älter als Chaplins Lichter der Stadt (1931) um mehrere Jahre mit seiner Handlung eines sanftmütigen Mannes, der sich in eine blinde Frau verliebt. Langdon spielte auch in zwei anderen Hits mit: Landstreicher, Landstreicher, Landstreicher (1926) und Capras Lange Hosen (1927) das würde ihn in dieselbe Liga stellen wie seine drei anderen Comic-Zeitgenossen: Charlie Chaplin, Buster Keaton und Harold Lloyd. Stan Laurel und Oliver Hardy erschienen in ihrem Erste Film als Slapstick-Comedy-Team - eine Hal Roach Studio-Komödie Entensuppe (1927), und trat dann in Regisseur Clyde Bruckmans Anziehen von Hosen auf Philip (1927). Die Marx Brothers debütierten in ihrem Erste Film zusammen im Jahr 1929, Die Kokosnüsse (1929).


Unsere Geschichte: Komiker W.C. Felder, die einst Bayside zu Hause genannt wurden

Im Januar präsentierte das American Museum of the Moving Image eine Retrospektive, die die Karriere des Meisterkomikers W.C. Felder. Fields, ein Genie in der Leinwandkomödie, begann seine Karriere als Varieté-Entertainer und wurde für seinen bissigen Humor sowie seine Knollennase und seine gedehnte Stimme bekannt. In Berichten über die Museumsveranstaltung wurde jedoch nicht erwähnt, dass Fields einst ein Bewohner des Dorfes Bayside war und dass einige seiner frühen Stummfilme hier gedreht wurden. Einer wurde auf der Bell Avenue (der frühere Name für den heutigen Bell Boulevard) vor dem Jugendhaus meines Mannes in der Nähe der 48. Avenue gefilmt, das als Kulisse diente und er war anwesend, saß auf dem Lattenzaun vor dem die Kameras standen bereit.

TOILETTE. Fields wurde im April 1879 als Claude William Dunkenfield in Philadelphia geboren. In jungen Jahren lief er von zu Hause weg, hatte einige Begegnungen mit dem Gesetz wegen Kleindiebstahls und driftete irgendwie ins Varieté ab. Oft als “Der größte Komiker der Welt” bezeichnet, zog er es vor, als der“größte Jongleur der Welt” bekannt zu sein, und als komödiantischer Jongleur machte er sich schon früh einen Namen. Er trat 1915 den Ziegfield Follies bei und trat später in den Skandalen von 1922 auf, bevor er “Sally of the Sawdust” unter der Regie des berühmten D.W. Griffith.

Während der Dreharbeiten improvisierte Fields viel von seinem Material. Er schrieb jedoch die Drehbücher für viele seiner Filme unter Verwendung verschiedener Pseudonyme. Er trat mit Baby Leroy in “It’s a Gift” auf, einem seiner kinderhassenden Fahrzeuge, und spielte so unterschiedliche Rollen wie Zazu Pitts’Ehemann im Versandhandel in “Mrs. Wiggs of the Cabbage Patch.” Als “Great McGonigle” spielte er einen selbsternannten Schauspieler-Manager der Jahrhundertwende eines Melodrama-Theaters.

Fields misanthropisches Weltbild, das sich in seinen Filmen widerspiegelte, soll von einigen auf seine jugendlichen Erfahrungen in den zwielichtigen Straßen Philadelphias zurückgeführt werden.

Mit 21 Fields war er ein internationaler Jonglierstar. Nachdem er 1914 in Ziegfield’s Follies mitgespielt hatte, drehte er seinen ersten Film “Pool Shark”, der auf einem seiner berühmtesten Acts basierte.

Fields hatte eine unberechenbare Karriere im Stummfilm, konnte aber mit der Ankunft des Tons zum Star werden. Seine komische Persönlichkeit und seine Beobachtungen über das Leben passten gut zu seiner Knollennase und seinen trüben Augen, als ein bizarres Unglück bevorstand.

Seine besten Filme, “Million Dollar Legs” (1936), “You Can’t Cheat an Honest Man” (1939), “My Little Chickadee” (1940), “The Bank Dick” ( 1940) und "Never Give a Sucker an Even Break" (1941) machten ihn zu einem der beliebtesten Stars seiner Zeit.

Eine der inspirierendsten Besetzungsentscheidungen war die Entscheidung von MGM, Fields von Paramount auszuleihen, um Micawber in “David Copperfield” zu spielen, obwohl Regisseur George Cukor große Schwierigkeiten hatte, Fields davon zu überzeugen, dass Jonglieren nicht in das Drehbuch integriert werden konnte. Trotzdem hat dieser großartige Schauspieler den einzigartigen Eindruck seiner Persönlichkeit im Film hinterlassen.

Im frühen 20. Jahrhundert lockte Bayside mit seiner preisgekrönten Lage in der Nähe des Nervenzentrums von New York City und in modischer Lage an der Little Neck Bay eine Gruppe wohlhabender Stars und Führungskräfte aus der expandierenden Filmindustrie an. Lange vor Malibu wurde dieses Dorf buchstäblich zu einer Filmkolonie. Zu den Neureichen gehörte Fields, der um die Ecke von Joseph Schenk, dem Filmproduzenten, und seiner Frau, der Filmschauspielerin, Norma Talmadge, wohnte. Fields’-Haus steht noch, aber es geht nicht mehr wie früher zum Strand, denn das Grundstück wurde vom Ufer getrennt, als der Cross Island Parkway gebaut wurde.


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